Siempre he pensado que la Danza Jazz es mágica en muchos aspectos, tanto para los que disfrutan al verla como también para el que la realiza.
Esta carpeta es una maravillosa guía para cualquiera que desee saber más acerca del mundo de la Danza Jazz.
Especialmente para los que toman esta actividad con seriedad.
La carpeta te servirá de guía para comunicarles a tus alumnos los significados de cualquier ejercicio, además también aportan los conocimientos de la técnica del baile.
Si bailas para tu propio placer y satisfacción, si aprendes y aspiras a bailar un día en un escenario la danza, espero que esta carpeta sea una maravillosa guía en el mágico mundo de la Danza Jazz.
“LINEAS”
Recordemos que las líneas son principalmente para corregir los giros, aprender la técnica de los saltos, e ir trabajando la postura, ideal para los principiantes de la Danza.
La mayoría de las líneas se hacen de frente ecepto algunas que contengan saltos. Cuando estos aparecen, en la escritura aparecerá con un “de costado”, pues si no figuran así es por que son de frente.
1- Preparación: Dos giros, sexta posición, elevo los brazos en circulo hacia adentro y llevo el cuerpo hacia abajo estirando las piernas. Las manos tienen que tocar el suelo.
2- Preparación: Dos giros, abro las piernas y el cuerpo gira primero a la derecha, mirando para atrás, y con las manos marco como si guardara algo en el bolsillo. Luego se hace para la izquierda.
3- Preparación: Dos giros, primero levanto el brazo izquierdo (tiene que dar la impresión como que se abren las alas) luego bajo y luego el brazo derecho. Las piernas acompañan junto con las caderas.
4- Preparación: Dos giros, séptima posición, marco Demi-plie, estiro los brazos de costado a la altura de los hombros, y marco media rotación a la derecha y luego a la izquierda.
5- Preparación: Seis giros, marco “De costado”, cuarta posición, Demi-plie y salto con pierna derecha estirada y la izquierda en actitiud atrás. Intento despegarme todo lo posible del suelo. Los brazos marcan port de braz.
6- Idéntico a la línea anterior, nada más que se suma la pierna que estaba estirada ahora se convierte en passe a la altura de la rodilla.
7- Preparación: Siete giros “De costado” paso izquierdo y saco la pierna derecha con develo-pe de avant, el torso cae en souples decote (de costado).brazo derecho queda estirado a la altura del hombro, brazo izquierdo con port de braz.
8- Preparación: Ocho giros, quedando firme de costado con releve, quiebro el torso con souples, la cabeza acompaña atrás.
9- Preparación: Ocho giros en “Ecart”, primero de costado, luego al medio y por ultimo al otro costado. Se puede usar port de braz.
10- Preparación: Ocho giros, Demi-plie y salto con los brazos bien abiertos, los dedos de los pies se juntan, los brazos abren en círculo. (salto rana)
11- Preparación: Dos giros, y estiro los brazos derechos para el frente a la altura de los hombros, marcando una pausa. La cabeza en la pausa se lleva atrás.
12- Preparación: Ocho giros, marco jete en segunda posición, las piernas tienen que estar bien abiertas y estiradas, los brazos también estirados a la altura de los hombros.
13- Contratans, brazos abiertos, cruzo la pierna derecha y con el pie que tengo atrás salto con un develo-pe de costado.
14- Contratans, brazos abiertos, cruzo la pierna derecha y con el pie que tengo atrás salto con un Gran Jete.
15- Contratans, brazos abiertos, cruzo la pierna derecha y con el pie que tengo atrás, subo la pierna con un passe y a la misma vez, marco gran actitiud. (se repite 3 veces más).
16- Contratans, brazos abiertos, cruzo la pierna derecha y con el pie que tengo atrás, elevo la pierna hacia el costado, bien arriba girando el cuerpo, saco a la misma vez la pierna derecha, tiene que dar la impresión de que se sienta en el aire, los brazos quedan abiertos. El torso tiene que quedar derecho.
17- Contratans, brazos abiertos, cruzo la pierna derecha y con el pie que tengo atrás, salto con un jete passe, me preparo de costado, para marcar un puente, llevando cuatro tiempos una pierna arriba y luego la otra.
18- Preparación: Cinco medialunas.
19- Preparación: Cinco verticales con puente.
20- Preparación: Giros continuos.
Las líneas son fundamentales para iniciar una clase, ya que el profesor puede notar del alumno, los errores del mismo y gracias a esto, puede poner en práctica durante el año y mejorar cada día más. Por supuesto que todas las líneas no se dictan en una primera clase, si no mas bien es recomendable agregar de a cuatro por clases o por mes (según el grupo de baile)
“PRIMER AÑO”
En el primer año de la Danza Jazz (profesorado) los ejercicios de las clases son sumamente fáciles, siguiendo las líneas todo es mucho mejor, el alumno puede soltarse y perder la vergüenza, no se exige demasiado y respecto a la carpeta las preguntas y textos son para razonar y tener en claro lo que se esta por trabajar en las cases y en el año.
En síntesis:
Llegaras a sentir e interpretar las ideas básicas del jazz,
A interpretar las técnicas para un desarrollo correcto de los ejercicios y lograr un armónico movimiento de un todo.
Desarrollar con plasticidad la técnica.
“Técnica y armonía” unidas ambas a un solo objetivo el arte.
“HABLEMOS DEL JAZZ”
Parece que todo el mundo piensa que el jazz es de estilo libre, donde uno puede hacer lo que quiere y pasarla bien, pero hay ciertos movimientos básicos, que son conocidos. La diferencia esta en cada profesor de jazz desarrolla su estilo particular sea rápido libre quizás técnico o de gran fuerza, aunque en escena de la impresión de ser la cosa mas natural del mundo.
En America lo popularizo el coreógrafo Jack Cole y desde que comenzó hace mas de 80 años, el jazz a evolucionado junto con la música popular del momento.
Siendo algunos estilos legendarios como es el Charleston por lo tanto cambia cada día.
Razón por la que alguien dijo alguna vez: “Se puede oír, sentir y ver, pero es muy difícil de definir”
El ballet es igual en todo el mundo, pero el jazz varia su estilo según el profesor y el coreógrafo.
Tiene un toque de la música negra Americana y un sólido respaldo en el ballet, al compararla con este, instantáneamente se ve la diferencia.
El ballet es estricto y controlado, mientras que el jazz sale del alma o del estomago.
Como se quiera. Quien tenga orientación del jazz debe sentir que el movimiento comienza desde el estomago, para pasar por el resto del cuerpo, como una ola que avanza suavemente y bulle por la sangre.
Como así también se debe interpretar cada coreografía que se ejecuta. No solamente con el cuerpo, si no con alma, ya que la danza es aleteo inquieto del ser.
Si se siente eso, se comprende verdaderamente el jazz.
“DESARROLLO DE UNA CLASE Y CONCEPTOS”
El objetivo de cualquier curso, es poder sentir la danza más libremente y bailar sin restricciones, pero sin dejar de lado el trabajo técnico que tiene que ver con el precalentamiento, parte aeróbica o de resistencia, acondicionamiento del cuerpo y disociación, equilibrio y estiramiento por medio de la suspensión, coreografía, secuencia, reconocimiento musical y del espacio, interpretación y por supuesto muchos puntos mas que se aplican de acuerdo a la disposición de cada maestro.
A continuación se darán algunos conceptos de los diferentes puntos a tratar:
Ø Precalentamiento: Debe ser suave o diudurico de acuerdo a la forma que se disponga, estirar, relajar y calentar cada parte del cuerpo teniendo en cuenta a un orden cronológico; ejemplo: comienza por la cabeza, cuellos, hombros, brazos, tronco,etc. Y así sucesivamente y preparar todos los músculos para que respondan a un intenso trabajo.
Importante: se debe elegir muy cuidadosamente “la música”
Ø Parte Aeróbica: La palabra “aerobics” define cualquier ejercicio que oxigene el cuerpo y estimula la actividad cardiaca y pulmonar. Bajo el nombre de aerobics cabe en varios ejercicios diferentes en el suelo. Cuando esta bien practicado aumenta la eficiencia cardio vascular (corazón y pulmones) tonifica todo el cuerpo y puede ser una ayuda en la perdida de peso cuando se sigue una dieta.
Ø Acondicionamiento del cuerpo y disociación: Se efectúa haciendo varios ejercicios diseñados para estirar y fortalecer el cuerpo sin necesidad de dar pasos ni bailar. Ideal para grupos de edades y físicos diferentes es un buen aprendizaje para técnicas de danzas más complejas que requieren mayor precisión. Estas clases ofrecen mucha variedad, mientras que son relativamente fáciles de dominar.
Ø Equilibrio y estiramiento por medio de las suspensión: Se debe aprender a sostener el cuerpo sobre los metatarsos llevando la presión hacia la punta del dedo gordo del pie, suspendiéndose hacia el cielo sintiendo la sensación de proyectarse y despegar de la tierra, esto se debe sentir y debemos poner toda nuestra concentración desde los glúteos y terminar en la punta de los dedos de la mano largando toda la energía hacia a fuera esto es importante para las piruetas y saltos.
Ø Coreografía: En principio la definición dice: arte de componer bailes, arte de la danza, representado sobre un papel por medio de signos, como se representa el canto por medio de notas. Lo mas importante de la coreografía es lo que se quiere manifestar y tratar de que sea entendible a quien la observe y expresar el sentimiento que corresponda en ese momento.
Ø Secuencias: Pueden ser grupales, efectistas, diagrámales, a terre o en pareja, usando por ejemplo: “Canon” se debe adquirir rapidez sobre todas las cosas, visual para agilizarse. Se marca primero lento y limpiando cada paso y luego adaptarla a la versión musical que se desee interpretar.
Ø Reconocimiento musical y del espacio: Estos son puntos muy importantes que hacen a la danza. La música debe ser elegida por el coreógrafo (profesor o maestro) y creando en su mente dos diferentes tramos, ya que puede ser lenta, intermedia o muy ligera, vocal, orquestada o instrumental, pero lo más importante es sentirla y bailar por supuesto a favor de ella y nunca en contra. El sentido del espacio debe estar bien delimitado por los movimientos, se dice que haga lo que se haga se debe volver siempre al lugar de origen.
Interpretación: Cada coreografía debe tener su propio sentido y no se deben bailar todas de la misma forma. Se tiene que tener en cuenta que si la música, el vestuario y los pasos varían, entonces, entonces hay que interpretar y sentir de diferentes formas. Por ejemplo: si la música tiene que ver con la agresividad y sus pulsaciones son acentuadas, las variaciones tiene que ser ágiles, briosas pero armónicas, en cambio si tiene que ver con el misterio, la dulzura y lo celestial entonces el bailarín tiene que sentirse un pájaro, no solo por lo etéreo si no por lo libre y por la amplia utilización del espacio que lo rodea.
“TECNICA E IMAGINACION”
Si realmente es un buen bailarín, jamás confundirá el escenario por una sala de entrenamiento. La técnica puede ser considerada “Danza” es únicamente el medio destinado a lograr el baile teatral, el recurso capaz de compartir una movilidad a la vivencia bailar, ponga por mayor el movimiento.
Lo que se llama vigor imaginativo, lo que hace posible al talento o a la gracia, jamás podría ser conquistado con la ayuda de la técnica, ni sustituido por ella. Es algo que el coreógrafo no puede imponer. Es únicamente la manifestación de la personalidad artística. Aquel que no solo baile, si no que posee, la facultad de hacer visible la verdadera esencia de toda depende del como y del por que: la técnica se basa sobre las exigencias estéticas.
La danza debe ser placer para el espectador y dicha para el intérprete.
La perfecta coordinación del yo danzante con el mundo. Es así como no puede haber uno mas, un como si.
“SIGNIFICADO DE LAS PALABRAS”
- Ballet: Derivado del italiano ballese (bailar), acción dramática expresado en baile. Ejemplo: pantomima acompañado de la música.
- Danza: La danza expresión de sentimientos, mediante movimientos definidos, regulados por un ritmo musical.
- Academia de Danza: Sitio o lugar adecuado, en el cual se practica y se enseña danza.
“DANZA JAZZ EN LA PRIMER INFANCIA”
La Danza Jazz del niño preescolar debe sustentarse fundamentalmente sobre un conocimiento clave y concreto de sus características biológicas y psicomotrices, del cual dependerá el acierto o el fracaso de los objetivos, en la elección de los movimientos y el planeamiento de las clases.
Entre los cuatro y seis años, el niño desarrolla la mayor parte de las técnicas básicas del movimiento y alcanza un gran dominio de si mismo, de su cuerpo en movimiento y de las relaciones espacios temporales.
“MOVILIDADES MOTRICES EN LAS DISTINTAS EDADES”
- 3 años: Se establecen con dos condiciones globales importantes desde el punto de viste, puede desarrollar la mayoría de las formas elementales del movimiento. Corre con relativa fluidez, se detienen, cambian de velocidad y de ritmo. La escalera ya no ofrece dificultades, sube alternando sus pies. Arroja un objeto hacia delante con dirección, aunque sin control en el momento de lanzar. Pueden recibir una pelota que rueda por el suelo, patean la pelota con fuerza y dirección con el pie más hábil. A pesar de esto, sus movimientos son aun lentos y aparentemente pesados. Emplean más energía de la necesaria en sus movimientos y su actividad es más independiente.
- 4 años: Se muestran más seguros en su actividad motora. Son capases de jugar en parejas, pero tienen grades dificultades en la integración de grupos para las actividades conjuntas de larga duración o complejas. Corren con buen ritmo aunque sin dominio de los brazos en su acción compensadora, esquivan y cambian de dirección en espacios amplios. Saltan en profundidad de alturas hasta un metro con cierta dificultad para equilibrar la caída. Arrojan con dirección y puntería, dominando varias formas básicas para hacerlo: con una mano sobre el hombro con una mano de arriba y abajo. Intentan hacer picar la pelota y logran hacerlo sin seguridad continua, pueden arrojar una pelota grande y liviana que se le arroja de cerca, trepan adecuadamente de acuerdo a cualquier aparato o construcción que encuentren, se cuelgan y balancean por breves lapsos. Realizan el rol adelante e intentan un rimado de vertical.
- 5 años: El periodo que transcurre entre los 5 y 6 años es una etapa de consolidación motriz, se produce una meseta, una reorganización y clasificación motoras con un caudal de nuevas experiencias y posibilidades de movimientos muy superiores a las edades anteriores, el movimiento es económico y eficaz. Combina distintas formas iresicas y dispersas, siempre que halla por anterioridades el niño de 5 años es exacto y preciso, busca lo bueno del movimiento, le interesa dominar su cuerpo corre con buena velocidad y con técnica apropiada, esquiva y cambia de dirección bruscamente, es capaz de esperar y reacciona con prontitud cuando debe eludir un parcial, se asienta con rapidez en el espacio. Coordina bien con su salto, tanto en largo como en alto, aunque no domina técnicamente sus brazos y los movimientos compensarios. Lanza con puntería y regula potencia, puede recibir una pelota grande en sus brazos con relativa seguridad. Trepa con seguridad y mayor velocidad se suspende y balancea en distintos aparatos dominando su cuerpo de manera sorprendente. Esta preparado para integrarse en juegos grupales de carácter nacivo, inclusive si el proceso de enseñanza y aprendizaje a progresado en las edades anteriores, pueden participar en juegos de reglas simples, dos o mas consignas. El aprendizaje motor debe ser rico en variedad de contenidos pero ordenados en calidad y cantidad, fundamentalmente el niño debe desarrollar todas las formas básicas de movimientos y las destrezas que de estas se derivan o las que se plantean como importantes en el proceso formativo que vive el niño. El niño en esta edad necesita ante todo, oportunidad experimentar por si mismo para dominar su cuerpo y su movimiento.
CUADRO SINOPTICO:
“FORMAS BASICAS Y DESTREZAS”
A. Caminar.
1) DESPLAZAMIENTOS. B. Correr.
C. Saltar.
D. Galopar.
2) A. En profundidad. A. Con dos pies.
B. En largo. B. Con un pie.
C. En alto. C. Alternando los pies.
D. Con rebote. D. Con carrera de impulso.
3) Formas básicas y A. Arrojar y lanzar.
destrezas relacionadas
Con el uso de elemento. B. Arrojar y recibir.
- Con dos manos, con una sola mano.
- Con una mano, con dos manos.
- Individualmente con un compañero.
- También en grupo.
A. Con dos manos.
Picar la pelota
B. Con una mano.
a) Impulsar y llevar la pelota con los pies.
b) Hacer rodar la pelota, el aro y el neumático.
A. Rodar.
4) Apoyar y rodar B. Cuadrúpeda alta y bajo.
C. Apoyo sobre las manos.
D. Rodar.
E. Rodar adelante y atrás.
F. Combinaciones de apoyo.
5) Trepar, suspenderse A. Sobre plano horizontal.
y balancearse. B. Sobre plano oblicuo.
C. Sobre plano vertical a diferentes alturas.
6) Empujar, fraccionar, A. Individual.
Levantar, trasportar. B. Con un compañero.
C. En grupo.
D. Con un elemento.
o En los ítems 1, 2, 3, 4, 5 y 6 pueden desarrollarse ejercicios construidos en formas de juego.
“Ejercicios construidos”
ü Estimular y desarrollar las cualidades físicas.
ü Resistencia y fuerzas musculares, flexibilidad.
ü Normalización y funcionalidad de la alineación postural.
ü Vivencia de distintas cualidades de movimientos.
“EL NIÑO Y SU CUERPO”
La coorporidad es el factor antropológico esencial del ser humano, de ello provienen sus posibilidades de desarrollo que relaciona en las diferentes áreas. En el sustento elemental del yo.
El hombre y su cuerpo, debe entender que este integra una estructura vital riquísima en posibilidades de acción es de expresión y comunicación. El niño pequeño que transita los primeros años de vida, observa que su cuerpo es la caja de resonancia de sus emociones de sus pensamientos, de sus tensiones y alegrías. Mas adelante comienza a notarse un paralismo no equilibrado en el desarrollo vital, entre lo mental y lo corporal. La línea de la motriz, es considerada como complementaria en el transcurso de la primera infancia.
La motricidad y psiquismo están últimamente confundidos. Toda la educación del niño joven, tiene que ser global y construidas sobre sus vivencias únicamente el niño denomina el uso de su cuerpo, pueden aprender y establecer acciones, es decir desarrollar su inteligencia en el curso de la media y gran infancia, la dependencia entre el desarrollo motor, efectivas e intelectual, no aparece demasiado la coorporidad estrecha.
La coorporidad del niño, en educación física debe ser atendida desde varios puntos de vista. Dándole al pequeño la posibilidad de descubrir su cuerpo, sus funciones, sus características, sus posibilidades de movimientos, estructurando su esquema corporal ayudándola a tomar conciencia de su cuerpo cuidando su salud integralmente.
Favoreciendo el crecimiento normal y su estumilado (crecimiento) funcionamiento orgánico.
Con respecto a madurar de acuerdo a su edad. El niño y su cuerpo, vive a través de su cuerpo y de sus movimientos. Puede disponer de el, tenerlo, quererlo y cuidarlo, la educación psicomotriz acentúa su acción en un niño de 6 años, es capaz de decir “Me canso” por que nunca practico correr, o “No puedo” levantar eso, por que no tengo fuerza.
Reconociendo ciencias físicas que deben ser motivo de preparación del profesor o del mismo niño. Se debe planificar la capacidad motora de manera que el organismo infantil sea estimulado para que el fundamento biológico psicomotriz se desarrolle raramente. El dominio del cuerpo, la seguridad, las sensaciones de fortaleza y resistencia, velocidad que el niño experimenta su logro a través de ejercitaciones de juegos internos
El hombre moderno pierde año, tras año, actitudes físicas, para modificar esas tendencias hay que crear el habito del movimiento intenso se disfruta con el esfuerzo, la transpiración y el cansancio, que lleva el bien estar físico e integran al esquema corporal sensaciones vivenciadas en el nivel muscular, articular, pulmonar y cardio circulatorio, para no cometer errores en las posibilidades físicas de los niños y cometerlos a esfuerzos excesivos es indispensable conocer su cuerpos. Que darán pautas indicativas para cada edad y que permitirá la programación de las actividades y sus intensidades.
“La gran infancia comprende desde los 4 y 5 años hasta los 7 años. Y la gran infancia desde los 7 a los 11 años”
En la infancia lo bueno es divertirse, lograr en el ser humano una constante armonía, es decir que todo el cuerpo deberá ser formado para convertirse en el instrumento de la danza, por ello la cabeza, los brazos, los hombros, el tronco y las piernas habrán de ser llevados y mantenidas en una coordinación permanente. En este caso, la armonía equivale a la total compenetración entre la plástica y la línea a cuidar del equilibrio y de las siluetas, la armonía no es, si no la ley de la estética y dinámica, que se ejercen tanto alternativa, como simultáneamente es el transporte de la estática a la movilidad. Por eso “El porte” es presuposición para la plástica del bailarín.
Los niños tienen que moverse pero sin grandes exigencias competitivas. La actividad motora resulta esencial desde el nacimiento.
Ø Hay que respetar los crecimientos corporales propios de cada etapa y contar con la guía de un profesional. En los primeros años de mi vida era fundamental que el niño, baile, salte, trepe y lance. Los niños expresan sus sentimientos y necesidades mediante el movimiento. Utilizan su cuerpo, sus sensaciones, su motricidad para conectarse con el mundo.
Ø Los profesionales aseguran que no existe ningún ejercicio que los niños deban, siempre y cuando exista algún personal que sepa sobre el tema.
“GIMNASIA INFANTIL”
Consiste en un entrenamiento mediante juegos, gimnasia con elementos (soga, aros, bastones y pelotas) para activar y educar la memoria infantil. Se utiliza la elongación y la flexibilidad.
“EL ENTRENAMIENTO DIARIO”
Todo profesor de baile debe ser una autoridad, el estilo de la danza académica exige la severidad de la forma. La clase de baile corriente dura 90 minutos, dividido en ejercicios de barra y ejercicios de centro, a lo largo de las paredes de la sala de ensayos se encuentran las barras, a una altura media correspondiente a las caderas. El alumno se apoya suavemente ya sea de costado o de frente.de ningún modo esta permitido aferrarse a la barra, esta no se ha colocado allí para su seguridad, si no para su apoyo y orientación.
El porte es casi tan importante como el talle, es indispensable para el estudiante someterlos a un riguroso autocontrol, ya que la exigencia estética esta enfocada para lograr en el ser humano una constante armonía, es decir que todo el cuerpo deberá ser formado para convertirse en el instrumento de la danza. Por ello la cabeza, los brazos, los hombros, el tronco y las piernas habrán de ser llevadas y mantenidas en una coordinación permanente. En este caso, la armonía equivale a la total compenetración entre la plástica y la línea del equilibrio y de las siluetas, la ley de la estética y dinámica es el transporte de la estética a la movilidad.
Por ello el porte es presuposición para la plástica del bailarín. Preocuparnos sobre todo de la posición de nuestro cuerpo.
La postura fundamental:
La línea de gravitación pasa por la cabeza, por delante de las orejas, por rodillas y termina delante del tobillo, el factor determinante es el dehors de las piernas o sea, que cada una de ellas es dirigida desde la articulación de las caderas, hacia fuera obtener un Angulo de 90º grados, este movimiento giratorio hacia fuera deberá iniciarse en la pelvis para que el muslo se mantenga en dehors y su posición se extiende a lo largo de toda la pierna, hasta el talón y es necesario hasta la punta de los pies. El dehors de las piernas no es únicamente un imperativo estético, debido a la tensión de los músculos abdominales y de las caderas, el tórax, se yerguen hacia delante, los omoplatos son firmemente prensados por los músculos de la espalda y los hombros son inclinados para abajo.
De esta manera el cuello emerge largo y alto del resto del cuerpo. Los codos son torcidos un poco hacia delante y de esta forma se obtiene las características redondez de los brazos que se conserva en todo los movimientos de estos, los Port de bras.
La posición básica deberá corresponder a la provocada por una profunda inspiración con el plie (genuflexión). Se inicia la serie de los ejercicios. El plie es ejercitado en las cinco posiciones, el plie esta en todos los pasos de la danza. Que nuestras genuflexiones sean ágiles, precisas y elegantes. Algunos bailarines creen que no hay nada más adecuado para hacerse ágil y vigoroso que doblar profundamente las rodillas.
“Un mal plie hace que los pasos del bailarín se tornen rígidos y cortantes y lo priva de toda transición movida, haciendo peligrar su equilibrio con el cuidadoso ejercicio del plie, hacia el tendón son ágiles los rebotes, adquiere la elasticidad indispensable para el baile, será preciso apoyar firmemente el talón en el suelo”
El plie es, en realidad el trampolín de los bailarines, durante el ejercicio del plie deberá prestarse especial atención a la parte superior del mundo, a fin de que la pierna sea girada hacia fuera y a partir de la articulación de las caderas, cuando el plie o también Demi-plie (media genuflexión) ante todo es preciso que el alumno adquiera el máximo de autocontrol, como también la mas absoluta coordinación entre actitud y movimiento.
Además es aquí donde habrá de corregir y conservar el equilibrio, asunto muy importante si representa alcanzar la meta de todo bailarín: Dar la impresión carecer de toda gravedad. Finalmente con el entretenimiento se aspira a que todas las leyes que percibe la danza jazz, referentes a la posición inmovilidad de la música, pasen a construir una segunda naturaleza para quien la practique. Tal como lo que afirmo la categoría derivada de la música, en la secuencia se trata de realizar movimientos lentos con coordinación de brazos o quizás rápido de estilo libre. Las piernas deben estar flexibles para levantar a la altura de las rodillas, el entrenamiento es duro y rígido que se efectúa en barra o centro se practica en todas las clases, hasta llegar a una practica sin ayuda o sea libremente.
“SEGUNDO Y TERCER AÑO”
Estos dos años son fundamentales para el que sigue la danza jazz, ya que se prepara al alumno para un futuro excelente profesor. Son jugosas etapas que completan al alumno en un excelente bailarín. Como ya sabemos el primer año es simple y no es tan exigente, se dictan las líneas y se organizan secuencias, como para que se tenga noción y rapidez en las combinaciones.
Pero ahora cursamos segundo y tercer año y se necesita mucho esmero y constancia por parte del que lo este ejercitándose trabajara mas posiciones de brazos y piernas debe complementarse la danza clásica.
La técnica del 2º y 3ºaño es mas completa, se debe trabajar la postura y posición correcta para ejecutar los movimientos técnicos (tronco, brazos y piernas).
Toda coreografía de danza jazz segundo y tercer año debe tener como mínimo dos piruettes dobles en dedans o en dehors.
Deboules o Deboules en releve, salto despegando del piso (jete, sissone, cabriole, cabriole batido) debe existir también diagonales, coordinación, contratiempos, passe, releve, battement (elevación de piernas) actitiud, contracción, caídas, disociación, proyección de tórax.
El alumno debe tener una orientación en el espacio rond de jambe, equilibrio, debelo-pe Grand ecart, punta y contracción. También deberá aprender las expresiones (carismas) ya que es la capacidad de transmitir emoción y alegría, de acuerdo a la situación de la coreografía.
Puntos a trabajar:
<!--[if !supportLists]-->Ø <!--[endif]-->Elongación.
<!--[if !supportLists]-->Ø <!--[endif]-->Personalidad.
<!--[if !supportLists]-->Ø <!--[endif]-->Improvisación.
<!--[if !supportLists]-->Ø <!--[endif]-->Técnica.
“DANZA JAZZ”
Danza es técnica jazz es libre.
Se comienza a estudiar en una barra redonda de unos cinco a 8 centímetros de diámetro. Extendida en forma horizontal a poco más de un metro del suelo medidas: 9 centímetros 1,20 metros.
Esta barra sirve para que los practicantes tengan un apoyo en la ejecución de los ejercicios que se traducirá en seguridad, aplomo, tensión y musculatura adecuada.
Para la practica de esta danza, es necesario el alumno cuente con ropa cómoda y elástica, un calzado apropiado. (Medias puntas)
Espacio apropiado para realizar cómodamente los desplazamientos. Ambiente bien ventilado e higiénico. El piso de madera es el más indicado, aunque hoy en día la mayoría de los estudios de danzas están provistos de pisos de mosaico o cerámicas.
Edad ideal: 9 y 12 años para el sexo femenino.
De los 10 a los 19 años para el sexo masculino. En estas edades son mas serias las clases, ya que se logra todo los movimientos perfectamente.
“TU CLASE DE DANZA JAZZ”
Cuando era muchachita Vivian Fonteyn vio un día un póster de una bailarina coreógrafa de danza jazz, y le pregunto a su madre quien era, ella le contesto- es la mejor bailarina del mundo, pues yo quiero llegar a ser la segunda mas importante- replico. “todas las bailarinas necesitan esta confianza”, aunque es muy difícil llegar a la cima, muchos bailarines consiguen llenar la ambición de su vida por medio del baile.
La danza jazz es exhaustiva y excluyente. Pero también es excitante y creativa y muchos alumnos viven totalmente dedicados a su profesión.
La vida de un bailarín profesional necesita tener autodisciplina y ser independiente. Cuando comienzas a ir a las clases, ocúpate personalmente de tu ropa y asegúrate de tenerla en buenas condiciones y limpia, no dejes que nadie intervenga.
Concédete un momento de reposo y ordena tu estado de ánimo antes de empezar la clase.
“SIGNIFICADO DE LAS PALABRAS”
<!--[if !supportLists]-->Ø <!--[endif]-->ADAGIO: (Lento) son movimientos lentos, passes y actitiud de las cuales el bailarín ejecuta el equilibrio y trabaja el sentido de línea de su cuerpo.
<!--[if !supportLists]-->Ø <!--[endif]-->BRAZ: (Brazo)
<!--[if !supportLists]-->Ø <!--[endif]-->DEMI: (Medio)
<!--[if !supportLists]-->Ø <!--[endif]-->BAZ: (Abajo)
ALLEGRO: Siente el bailarín de una regular técnica académica que tiene la posibilidad de alargar, cualquiera de las posiciones altas de las piernas, donde con ella da la sensación de una agradable estatura física.
<!--[if !supportLists]-->Ø <!--[endif]-->ALLONGE: (Alargado) Inclinado, de frente a los brazos, pueden estar extendidos uno hacia delante y otro en el mismo plano y formando una línea continua o bien las dos extendidas hacia delante.
“DISTINTAS RAMAS DEL MUNDO DEL JAZZ”
<!--[if !supportLists]-->· <!--[endif]-->WORK JAZZ: (Trabajo de jazz) posiciones de brazos: se evita la coordinación aeróbica. Técnica: Se utilizan secuencias de Gim Jazz y Danza Jazz, sin llegar a la depuración total de la misma. Toda coreografía de Works debe tener como mínimo una piruette simple, elevación de piernas, giros a terre, contracción, figuras de efectos, Grand ecart americano o italiano, saltos varios, trasferencias del peso, coordinación, plies combinados, diagonales, trabajos de piso, trabajos grupales con o sin entradas.
<!--[if !supportLists]-->· <!--[endif]-->GIM JAZZ: (Se destaca los ejercicios de gimnasia) posiciones de brazos: Acompañan todos los movimientos (Ya sean ejercicios o secuencias) sin que sean los de danza y aeróbica. Técnica: Es una forma de entretenimiento del ejercicio y el movimiento, dándole forma a la gimnasia convencional, combinando pasos con música. Cada coreografía de Gim Jazz debe tener flexiones, giros, extensiones de brazos, piernas, cabeza y tronco. Transferencia de pesos. Localización, balanceos, diferentes tipos de caminatas, normal, deslizada, el plie con Kick (patada), el piso elongación, torsión del tronco (contracción de pelvis y abdomen) elevación de piernas, figuras, etc.
<!--[if !supportLists]-->· <!--[endif]-->FREE-DANCE: Es la combinación de estilos y disciplinas, abordada desde un criterio personal. Es importante respetar las bases mínimas de las disciplinas elegidas. Podrán combinarse: cardio, afro, salsa, merengue, hip hop con movimientos de jazz. Tener en cuenta que dentro de la libertad de movimientos debe prevalecer la danza con criterio y armonía. Al incluir los diversos estilos se cuidara en cada secuencia su técnica y musicalización original y se evaluara el criterio de la coordinación de las uniones. Deben realizarse piruettas, saltos, piso, contratemps, releve, contracciones, disociaciones y battement.
“LA ADOLESCENCIA”
La edad de la erupción:
Ni niños, ni adultos, a mitad del camino, lejos de las travesuras y de la madurez. Los llaman adolescentes y con pocos matices, su problemática es similar en todo el mundo.
El adolescente no sabe lo que quiere, es ambicioso con grandeza, se interesan por los problemas sociales y políticos.
“La adolescencia es un estado espiritual sin limites”
La adolescencia es el periodo comprendido entre el fin de la niñez y el comienzo de la juventud. Puede ser largo o corto, ya que su extensión varia de una familia a otra y según a las diferentes culturas. En esta etapa de tensiones y confianza pueden establecerse dos momentos.
Pubertad: Abarca el periodo comprendido entre los 10 y 14 años y se caracteriza por adaptaciones psicológicas sociales y culturales.
“LA ALIMENTACION”
Como consecuencia del indefenso ritmo de crecimiento y desarrollo que tiene lugar durante esta etapa otra necesidad de importancia en la adolescencia es la alimentación. Debe ser adecuada a la edad y corresponde a la ración del crecimiento, que se caracteriza por la mayor proporción de alimentos energéticos y prácticos. Los alimentos energéticos o dinamógenos producen calor y movimiento y se entra las grasas y en los hidratos de carbono, los alimentos prácticos o hidrógenos reparan tejidos y se hallan en el agua, en los minerales y en las proteínas.
Aquellos compensan la energía que se consume y estos aseguran la formación y el desarrollo normal del organismo.
“CONCLUCION DE LA ADOLESCENCIA”
Nicolás Marcovsky piensa que la etapa de la adolescencia es bastante dura, por que empezamos a enamorarnos, salir, compartir cosas con nuestros amigos que nos ayudan a entender la realidad.
A veces la vida golpea muy duro, por que nosotros los adolescentes estamos descubriendo cosas que nos hacen feliz y que nos duele muchísimo.
La etapa de la secundaria y de otro establecimiento como por ejemplo en el caso mío la escuela de danzas, surgen muchos cambios por que uno empieza a crecer y a luchar por el bien de nosotros. Además de sentir nuestros sentimientos, empezamos a sentir nuestro cuerpo que cambia muchísimo y que se empieza a desarrollar la madurez.
Hay que aprender a disfrutar todas las etapas que nos toca, por que tiene su lado bueno.
“EL BAILE”
El baile constituye una experiencia de aprendizaje constitucional. Lo que establece la pauta a cerca del contenido lúdico de una persona que esta ejerciendo por eso el mismo baile estimula y moviliza nuevas propuestas lúdicas, como dice- figerman.
El baile prepara la entrada en la vida y el surgimiento de la personalidad, por eso la necesidad del mismo en todas las etapas dentro del modo propio de cada una de ellas.
No es necesario como adultos darnos permiso, tiempo y espacio para bailar. Haciendo posible también el baile de otros con otros.
“LISTO PARA SER UN PROFESOR”
Cada año he aprendido nuevas técnicas que me fueron formando en un excelente bailarín. Me puse a pensar y recuerdo el comienzo de mi primera clase…. Fue algo así como una prueba de estudio difícil de clasificar, todo era nuevo para mí, personas que conocía pero que no nos hablábamos, con el tiempo forme amistad con chicos esplendidos.
Mi profesora era muy buena, con mucha paciencia… sabias palabras fueron en aquel entonces cuando me pregunto ¿quieres fama? La fama cuesta.
Por eso que sus clases eran exigentes, a veces nos gritaban, pero era para nuestro bien. Algunas lagrimas se caían por mi rostro, cuando elongábamos, el dolor era increíble, pero con perseverancia y esfuerzo logre cosas que no me imaginaba.
Siempre fui puntual a las clases de danza, juntaba de a centavos para pagarle a la profesora. Mi primera coreografía arriba de las tablas la pase más que bien, lo que se siente en ese momento es muy bello. Es una mezcla de nervios, sentimientos, alegría y ganas de hacerlo todo cada vez mejor. (Hasta ahora me sigue pasando)
Creo que si un bailarín no siente eso, es por que realmente el baile no es su vocación. Ni hablar del examen, cuando fui por primera vez al conservatorio notaba que mi profesora estaba más nerviosa que yo, dedicábamos días y horas juntos para llegar a sacar un diez.
Solo se sentía mi respiración y sentía que todos estaban pendientes de mí.
(Que experiencia) Todos lleva su tiempo ¿Por qué apurarse?
Así me dijo mi ex profesora que ya había renunciado, yo ahora todo un profesor quería cada vez más, me dedique completamente al baile y a la fama.
Varios profesores he conocido, pero nunca me voy a olvidar de mi primera profesora que me hizo quien soy, jamás la olvidare- que descanse en paz.
Como todo profesor debe tener su propio gimnasio, por supuesto que yo también lo llegue a tener. Ahora son con maquinas increíbles, espejos, ventiladores, piso de madera y todo lo necesario pero a mi me costo llegar a tener todo lo que tengo ahora.
Por eso no te angusties si no tienes un súper gimnasio.
Mi primer gimnasio era en una casa abandonada usurpe ese lugar y lo convertí en un salón de baile. Dure bastantes años. Pero después cuando se fue sumando personas, invertí en un terreno céntrico de mi localidad y desde ahí fue que arme mi GimStars.
Como ya te conté…
”Lo importante es no bajar los brazos”, para ser un excelente bailarín y profesor debes tener en cuenta estos puntos:
<!--[if !supportLists]-->Ø <!--[endif]-->Personalidad: (por sobre todas las cosas, paciencia, entusiasmo e imaginación)
<!--[if !supportLists]-->Ø <!--[endif]-->Soltura.
<!--[if !supportLists]-->Ø <!--[endif]-->Debes perfeccionarte y realizar diferentes estilos.
<!--[if !supportLists]-->Ø <!--[endif]-->Has que te respeten y que nunca lleguen a tu nivel, cumple todas tus metas y lo importante conserva tu “Humildad” por que sin esto no llegas a ningún rumbo fijo. Yo pase muchas cosas, conocí lugares, baile en pisos de madera, tierra, cemento etc. Pero todo no lo tuve a penas empecé a bailar o a ser profesor.
Todas mis cosas se fueron dando a paso de los años. Baile en lugares insólitos que jamás pensé bailar. ¡¡LLEGA A LO QUE QUIERES!!
Y si tienes o pasaste por lo mismo, déjame decirte que estas listo para ser un profesor.
LA PRÁCTICA EDUCATIVA DANCISTICA:
¿SE PUEDE REDUCIR EL DOMINIO Y EL CONOCIMIENTO DE LAS TECNICAS DANCISTICAS?
En la danza, los procesos educativos se encuentran mediados por la aplicación de la metodología y la técnica dancística especificas, estos procesos mediadores están altamente codificados para su transmisión rigurosa. Las técnicas dancísticas delimitan el contenido y habilidades que deberá desarrollar un alumno. Establecen la dosificación.
En el momento del aprendizaje, con cada uno de los movimientos el vocabulario dancístico define las tareas concretas a realizar a lo largo de una clase.
La secuencia y modo de estructuración de los ejercicios (espacio, tiempo y movimiento) el nivel de ejercicio y dominio que son considerados adecuados. Etc.
Así, convertirse en el contenido fundamental de la formación, las técnicas dancisticas conforman una atmosfera educativa particular, sin embargo, cada sujeto dará un significado personal a las experiencias educativas.
Las técnicas son entonces elementos orientados de la practica educativa dancística, se le puede reducir como tradicionalmente se ha hecho al pensar en la formación de los educadores para esta actividad, a los cánones explicitados o no, de una técnica dancisticas, esta es mas bien el esqueleto general de la practica, que al concretarse expresa: “Múltiples determinantes ideas, valores, usos pedagógicos”.
Que se entrecruzan e interaccionan. Una técnica genera usos educativos específicos, interacciones particulares, formas de comunicación, códigos de comportamientos, pero la singularidad de todo eso tiene que verse en relación con el tipo de contenido culturales que se “Amasan” en ese medio especifico implicando en esa cultura.
Cada grupo, cada alumno, cada suceso educativo, representa una problemática a resolver, por lo que no se pueden aplicar teorías o técnicas estandarizadas, siguiendo esta idea toda técnica dancística al aplicarse en un contexto institucional concreto, con sujetos circunstancia especificas sugiere la necesidad de una transformación a las características que la situación exige, de modo que el maestro tiene que responder creativamente, ante demandas del ambiente en el que se desarrolla y producir sus propias construcciones metodológicas. Para hacerlo al mismo tiempo con eficacia y sensibilidad educativa e indispensable que no reduzca sus horizontes de conocimiento y formación a las técnicas dancisticas, si no incursionan en otras áreas del conocimiento que enriquecen sus labores educativos como la psicología, la pedagogía, la antropología, la filosofía, entre otras. Una mirada múltiple hacia la problemática educativa y enriquecida por otras perspectivas, ayudara al maestro a las respuestas coherentes y eticados ante la incertidumbre y el que caracterizan a todo ambiente educativo. Lo que le permitirá transformarse en un “Artista o profesional clínico que tiene que desarrollar su sabiduría experiencia y su creatividad para afrontar las situaciones peculiares, ambiguas, inciertas y conflictivas que configuran la vida de una clase”
“DANZA JAZZ”
Programa:
Puntos de desarrollo.
PRECALENTAMIENTO:
Diferentes ejercicios para calentar las articulaciones, trabajos de isolation (aislamientos) de torso. Estiramiento, plies, grand plies, ejercicios de equilibrio, releve, tandiu, degagge, rond de jambe, battement, combinados (con ejercicios de coordinación)
PISO:
Elongación de piernas y tronco.
Fuerza de brazos, piernas y abdominales.
DIAGONALES:
Caminatas.giros, saltos, piruettes en de Dans y en dehors.
(Combinaciones con distintos tipos pasos a tiempo y contratiempo)
COREOGRAFIA:
No se necesita experiencia previa.
“LAS TAREAS O
ACTIVIDADES DE APRENDIZAJE”
La finalidad de la enseñanza es la reconstrucción de los esquemas de pensamientos del alumno, a través de un proceso de experimentación o intercambio de significados construidos grupalmente, que en el caso de la danza este proceso de reconstrucción esta referido a los esquemas corporales. Todo profesor consiste de este propósito actúa como un clínico que examina las situaciones y propone a partir de un diagnostico, tareas que propician nuevas experimentaciones. Este acto de continua creación, si bien esta apuntalado en el conocimiento y experiencias pasadas, las rebasa para producir vivencias acordes con el grupo, la situación y el momento educativo, siendo esta una de las razones por las que ninguna metodología, técnica o procedimiento didáctico puede ser aplicado como una receta preestablecida. La ordenación de los contenidos de aprendizaje y su impartición, sea cual sea la forma de agruparlos, ha de seguir una secuencia lógica y significativa. La secuencia de tareas que considero más congruente con el planeamiento que e realizado hasta el momento es aquella en la que se abordan los mismos temas desde perspectivas cada vez más complejas. A este tipo de encadenamiento de tareas se le conoce como secuencias en espiral.
“HAY CUATRO POSIBILIDADES
PARA CONSTRUIR SECUENCIAS”
<!--[if !supportLists]-->Ø <!--[endif]-->Secuencias que tienen relación con la aprobación del cuerpo. Estas secuencias se refieren a la exploración de las posibilidades de movimiento de las diferentes partes del cuerpo, lo que se supone la experimentación de distintas calidades de movimiento, es decir recorridos por la gama de intensidades energéticas, variaciones en tiempo y ritmo, reconocimientos del espacio corporal y total. Así como la vivencia de la acción totalizadora del movimiento que se conoce como flujo del movimiento.
<!--[if !supportLists]-->Ø <!--[endif]-->secuencias que tienen que ver con las relaciones entre los elementos y las dependencias que existen entre ellos. Una secuencia de este tipo contempla un ordenamiento de las dificultades que implica el logro de un aprendizaje. La construcción de este tipo de secuencia exige la definición clara de los grados de dificultad de cada uno de los elementos que intervienen en el aprendizaje, por lo que en ellas se ordenan los niveles de dificultad advirtiendo las relaciones de estos con movimientos posteriores. Un ejemplo muy sencillo lo tenemos en el aprendizaje en el cambio de peso, aplica una ejecución correcta.
<!--[if !supportLists]-->Ø <!--[endif]-->Secuencias ligadas a procesos de indagación. Se derivan de procesos de generación, descubrimiento o verificación del conocimiento. En el caso de la danza las pienso como aquellas que muestran el proceso de construcción de un movimiento, su evolución técnica: desde la ejecución mas simple hasta su Maxim nivel de complejidad que generalmente se relaciona con la velocidad a la que se realiza y el numero de elementos que combina. Este tipo de secuencia es conocida como desglosamiento de pasos.
<!--[if !supportLists]-->Ø <!--[endif]-->Secuencias que encadenen diferentes tipos de aprendizaje para alcanzar años más complejos. Por ejemplos: combinaciones de varios elementos y partes del cuerpo, a diferentes velocidades, variando las acentuaciones y ritmos, en distintas direcciones, con desplazamientos, etc. El orden de los elementos implica considerar grados de internalización del movimiento, requisitos de experiencias anteriores. El desarrollo de la técnica especifica, es muy clara en este tipo de secuencias, por que supone la coordinación de pisadas, cabeza, torso, movimiento de falda. Etc.
Lo anterior muestra como la forma pedagógica de la tarea es indisociable del contenido son uno y lo mismo, esta es la razón por la que tareas sin relación entre si generan aprendizajes entrecortados con poca coherencia puede ayudar el encadenamiento de cada uno de los momentos de la clase recuperando los elementos utilizado por separados en secuencias de globalización, lo que se supone emplear algún motivo desarrollado en el inicio de la clase en otra tarea posterior, aunque con objetivo distinto. Puede ser útil introducir en la clase secuencias de generación del moviendo ya que en cada una de ellas es posible plantear modos distintos de relacionarse con el mismo contenido, lo que permite considerar las diversas maneras de aprender.
El profesor que domina con flexibilidad un cierto repertorio de tareas controla su práctica, aun en situaciones inciertas.
Esta afirmación subraya la necesidad de que el docente elabore su propia metodología a partir de la estructuración de tareas en la que al mismo tiempo que condensa su experiencia profesional, sintetiza opciones prácticas y supuestos teóricos.
De modo que un educador se transforma en investigador cuando asume el compromiso no de repetir metodologías y técnicas preestablecidas, si no de producirlas con base en las necesidades que emergen en cada grupo y cada situación educativa.
“METODOLOGIA CUBANA PARA LA ENSEÑANZA
DE LA TECNICA DEL JAZZ”
Sus características bien definidas:
<!--[if !supportLists]-->ü <!--[endif]-->Cada una de las posiciones y pasos básicos se estudia como “elemento”, una vez asimilado se procede a combinarlo. Por ejemplo: para llegar al estudio de un passe a releve de 5ta posición, el Demi-plie, el releve y el passe.
<!--[if !supportLists]-->ü <!--[endif]--> Todos los pasos básicos se estudian primero con dos manos frente a la barra, luego con una y después se pasan al centro. Exceptuando aquellos movimientos hacia delante que chocarían con la pared. No se utilizan las dos manos de espalda a la barra.
<!--[if !supportLists]-->ü <!--[endif]-->El estudio de los pasos se realiza por etapas. Por ejemplo: el rond de jambe, por terre, la primera unidad, del primer año, se estudia la mitad en dehors, en la siguiente unidad se estudia la primera unidad y la segunda mitad en de Dans. Luego completo en dehors y en de Dans y después seguidos.
<!--[if !supportLists]-->ü <!--[endif]--> La estructura de la clase y de cada ejercicio es de suma importancia, se estructura la clase con base en los objetivos generales del año y particulares de la unidad.
<!--[if !supportLists]-->ü <!--[endif]-->La barra y el centro se estructuran, dentro de lo posible, alternando un ejercicio que desarrolle control y fuerza con otro que desarrolle velocidad, con el fin de lograr una respuesta muscular óptica.
LA PROPUESTA DE UNA HISTORIA DE LA COREOGRAFIA
“SOLO LA DANZA ESCENICA ESTA DISEÑADA PARA BRINDAR AL ESPECTADOR UNA EXPERIENCIA ESTETICA”
La investigadora estadounidense Sandra Hammond ha planteado el estudio autónomo del proceso del desarrollo de la técnica académica, con el fin de comprender la historia de la danza en forma más certera. De manera similar, seria de gran utilidad una historia de la evolución coreográfica de la danza escénica para visualizar el desenvolvimiento de los distintos estilos de composición y su articulación temporal, así como las aportaciones de los distintos talentos. La danza jazz, producto de una importación cultural en muchos países, presenta rasgos de una genealogía compartida, además de particulares locales. Este arte ha podido establecer una “estética universal” y un “estatus artístico”, dentro de los cuales cada comunidad ha construido su singularidad, especialmente en el continente americano.
Nuevos métodos de trabajo, la constante aparición de documentos que hacen referencia al tema y el avance en la reconstrucción coreográfica prometen una mayor articulación entre las distintas generaciones dancisticas que sin lugar a duda, en el futuro cambiara la idea actual sobre la historia de la producción coreográfica.
<!--[if !supportLists]-->v <!--[endif]-->El trabajo fino de los pies.
<!--[if !supportLists]-->v <!--[endif]-->La utilización académica de los brazos.
<!--[if !supportLists]-->v <!--[endif]-->La rapidez en el trabajo.
<!--[if !supportLists]-->v <!--[endif]-->La definición en los saltos.
También se han detectado aciertos:
<!--[if !supportLists]-->· <!--[endif]-->Buen giro, salto mediano y grande, extensiones.
<!--[if !supportLists]-->· <!--[endif]-->Expresividad y fluidez, en los movimientos.
<!--[if !supportLists]-->· <!--[endif]-->Asimilación de los diferentes estilos.
”100 AÑOS DE DANZA MUNDIAL”
Para poder realizar el siglo de danza será preciso segmentarlos en tres periodos históricos. De principio de siglo hasta la década de los treinta, de esta a los setenta y un tercero que transcurrirá desde allí hasta nuestros días. Dos grandes acontecimientos marcaron la primera etapa, la primera guerra mundial y la revolución de octubre, Rusia 1917 un fuerte viaje cultural se efectuara durante estos años con la emergencia de las vanguardias artísticas en el campo de la música. La danza por su parte experimentara una renovación coreográfica impuesta por la obra de Mikhav Fokine por los años veinte simultáneamente, en America y EE.UU. Ya va a surgir un nuevo estilo de expresión danzaría que tomara el nombre de Danza Moderna, el bailar con los pies desnudos, vestimentas más cercano a lo cotidiano y con temas mas inmediatos a la vida mas contemporánea se impondrán El baile y la música de los negros venidos de África también dejarán sus huellas en toda la danza del siglo XX occidental. Desde los bailes de salón que comenzaron a afluir a partir del Charleston hasta el rock and roll, el negro va a dejar su impronta en generaciones de bailarines blancos que triunfarán en los escenarios y el cine musical de la época. Fred Astaire y Gene Kelly verán sus nombres inscritos en el más alto rango de la danza del siglo. Surge el jazz como técnica, con sus propios códigos a partir de la danza moderna norteamericana desarrollada por Jack Cole entre otros.
El siglo que quedó atrás ha sido rico en grandes realizaciones relativas al arte de la danza, tanto en aportes creativos como en nuevos descubrimientos de la capacidad del cuerpo para ser cada vez más expresivo y en la sabia utilización de las nuevas tecnologías para expandir el arte danzario hacia mayores áreas de comunicación.
A consecuencia de ello ha surgido una sobre abundancia de grandes figuras, coreógrafos e intérpretes, además de una gran sensibilización del arte danzario en relación a vastas audiencias como jamás lo haya tenido ese espectáculo en su larga trayectoria a lo largo de los tiempos. Al abordar teóricamente este largo y completo proceso es necesario tener en cuenta que han existido con el tres elementos constantes: en tareas que con al mismo tiempo condensa su experiencia profesional, sintetiza opciones practicas y supuestas teorías.
De modo que un educador se transforma en un investigador cuando asume el compromiso de no repetir metodologías y técnicas preestablecidas, si no de reproducirlas en base a las necesidades que emergen en cada grupo y en cada situación educativa.
PROGRAMA PARA LAS CLASES:
EJERCICIO DE SUELO BASICOS PARA LA COMPRENCION DEL LENGUAJE. TECNICA DE LA DANZA (CONTRADICCIONES DE TECNICAS GRAHAN Y ABERTURA) EJERCICIO EN EL CENTRO PARA ADQUIRIR FUERZA, ELASTICIDAD, CONCIENCIA DEL EJE CORPORAL. DIAGONALES PARA SENTIR EL DESPLAZAMIENTO DEL CUERPO EN EL ESPACIO Y DESPLAZAR LA COORDINACIÓN. VARIACION COREOGRAFICA: QUE PERMITIRA PONER EN PRACTICA LOS CONOCIMIENTOS QUE SE ADQUIEREN EN LA CLASE Y DONDE SE TRABAJA SOBRE TODO LA EXPRECION Y LA CAPACIDAD DE TRANSMITIR CON EL CUERPO.
<!--[if !supportLists]-->Ø <!--[endif]-->Calentamiento necesario para la danza.
<!--[if !supportLists]-->Ø <!--[endif]-->Dinámica para comprensión de temas teóricos.
<!--[if !supportLists]-->Ø <!--[endif]-->Ejecución de danza clásicas.
LA DANZA DEL SIGLO PASADO
Sin duda la figura más relevante de la danza moderna de Europa Central, fue Mary Wigman. Nacida en 1886 Wigman fue el faro que iluminó el camino a varias generaciones de bailarines, tanto en Europa como en América.
Wigman había sido alumna de Rudolf von Laban, gestor principal de la nueva escuela de la danza. Pero a su vez esta artista tuvo discípulos distinguidos: Harald Kreusberg, de exitosa actuación en temporadas de Buenos Aires e Ivonne Georgi. La maestra consideraba que al cuerpo como instrumento completo e independiente. Comenzó bailando sobre el silencio para ir adoptando progresivamente sonidos, percusión y finalmente música. Componía sus coreografías de conjunto con el método de la improvisación y con el aporte de cada uno de sus bailarines.
“Sin éxtasis no hay danza pero sin forma no hay tampoco danza”, solía señalar Wigman.
En 1920 Joos conoce a Laban, precisamente en un espectáculo de Mary Wigman. Este encuentro lo impulsa a fundar una escuela rural de las artes del espectáculo. Los bailarines se ocupaban entonces de las tareas propias del campo como de los ensayos, clases y montajes. Allí nació el Ballet Jooss cuyas coreografías estaban realizadas con música compuesta a posteriori. Esta labor se prolongó durante quince años y durante la última guerra mundial el Ballet Jooss se radicó en Chile, en donde formó grandes figuras de la danza.
En Estados Unidos las primeras rebeldes revolucionarias fueron Isadora Duncan y Loie Füller. Incluso aun antes de haber tomado clases Isadora fundó una especie de escuela donde enseñaba a bailar a otro niños de su edad.
En los 40 surgieron bailarines, coreógrafos, directores de grupo y profesores. Hoy en día gracias a nuestro ante pasados la danza es más entusiasta y numerosa.
HISTORIA DEL JAZZ:
La danza jazz surge de las danzas negras del siglo XIX. A mediados del siglo XX toma elementos del ballet, de la danza contemporánea y del claqué. A partir de ese entonces surgen nuevos estilos que acentúan la línea corporal, la movilidad del torso, etc. "Jazz" proviene del francés antiguo "jasm", vitalidad, o del "argot" jas, sexo. El jazz es un energético y espectacular baile de escenario. Es normalmente catalogado como parodia, comedia, libertad, ironía e improvisación.
"La danse jazz est un art populaire, une sorte de mélange de danses ethnologiques et sociales"
Jean Sabatine, crítico frances
"Jazz is urban folk" Jack Cole.
Los distintos tipos de Jazz son: el tradicional, el gospel, el soul, el funk y el primitivo afrocaribeño. Un estilo más pulido es el Broadway jazz. Este último se baila en los músicales de New York y en otras ciudades del norte de América. Es dinámico, poderoso y se enseña en la mayoría de las clases.
El jazz se encuentra en las obras musicales, en conciertos y video clips de grupos de música pop con un beat simple y fuerte.
El hip hop, llamado también jazz rock es el que se baila con este tipo de música. Pero, la música de jazz, originalmente, tiene un ritmo mucho más complicado; es uno de los bailes que, por la flexibilidad que tienen los bailarines, más cambios posee. En Broadway, las obras más famosas son "Westside History" y "A Chorus Line". "Fame" y "Flashdance" son las películas de Jazz mas famosas. Entre los buenos bailarines de jazz se encuentran Kathérine Dunham (1909-2006), Jack Cole (1911-1974 , Alvin Ailey 1931 - 1989 Donald, Mc. Kayle, y Talley Beatty. El rock jazz o hip hop se baila con musica de janet y michael Jackson, Grace Janes, Donna Sommer, Matt Bianco, Paula Abdul, Gloria Estefan, o la desinhibida Madonna.
CREATIVE JAZZ (METODO STOCKWELL)
Un genero, “danza jazz” o sencillamente “jazz” en Norte America. (Cuna de esta formación)
Genero que revela raíces de color y se funciona con la técnica europea. Una danza huérfana, puesto que para su aceptación y reconocimiento tuvo que ser adoptada por los tecnicismos de la danza clásica, debido a ser considerada escaso y vulgar por los críticos de este. Como John Martín redacto en su critica para el New York Times… LA DANZA JAZZ es una vulgar expresión y grosera desacreditacion de la danza clásica, estimula en complot técnico, basándose en una rebelión racial.
Una danza que ha luchado durante las décadas su integración y acreditación como genero dancistico. Gracias a su incesante lucha presentada a través de los años, esta ha sido explorada y experimentada por los grandes coreógrafos de Norte America, Europa y Centro America.
Los seguidores de esta danza o género, creemos fielmente en la individualidad y creatividad que ofrece su composición. Varios coreógrafos y compositores han creado diversidad de técnica, aplicando sus distintos conocimientos, compartiendo una misma idea, intensifica las raíces de dicha danza, comprendiendo como factor primordial la contribución que ofrecen sus raíces negras.
Hoy en día existen academias donde es segregada dicha contribución, aferrandose o mantenerla cercana a los patrones y tecnicismos que la danza europea ofrece. Hablamos de perfección y reconocemos la pulcritud y elegancia que plasmo rigorosamente el ballet, mas sin embargo, aquellos que tomamos en cuenta la historia de la Danza Jazz, apelamos a continuar difundiendo su raza y cultura.
Una danza liberadora de patrones, danza otorgada al nacimiento de infinidad de géneros.
La danza jazz (creada por Jack Cole, a quien se lo reconoce como el padre de la danza jazz) fue impulsadota de los nuevos movimientos como el rap (bautizado posteriormente por el hombre blanco como zapateo americano), la danza moderna la cual hoy en día complementa el estilo de un genero llamado Modern jazz. El jazz creativo es un método, que enlaza o investiga las diferencias entre las construcciones pautas y conducciones, permitiendo al estudiante desarrollar una conducta y formación individual. Este método promueve la experimentación creativa. Asegurándose de abordar los distintos remojes que la danza presenta. El genero se ha conocido por un sin numero de contribuciones, danza social, danza teatral, danza de venta y por supuesto la verdadera construcción desde sus orígenes. El jazz creativo, unifica fragmentos y compromete al alumno a reconocer su propio estilo y forma. Este método exige reconocimiento integro de la exploración y construcción técnica…
¿Por qué danzamos? ¿Cuál es nuestro interés sobre la danza?
¿Cuáles son los caminos por los que transita el bailarín?
Una infinidad de preguntas y respuestas que acompañan nuestra investigación y exploración del método.
Esta nueva formación (método) surge en la década de los 80 y presentada y reconocida como pauta instructiva de un nuevo ramaje de exploración por Patrick Stockwell, primer bailarín de ballet nacional de New York en el año 1978. Pretenciosamente y exitosamente ha navegado por el estudio de los géneros técnicos y evolución del arte dancistico otorgado constantes cambios, obligando al creador, a no estancar el movimiento. Esta nueva fuente de creación es explorada y estudiada con un mínimo de ocho años, considerándolos como niveles, en los cuales se ofrece técnica, construcción, interpretación y teoría sobre la exploración del movimiento. Cuando hablamos de expresión, sensación y movimiento, comprendemos que cada cuerpo mantiene un tiempo, ritmo y espacio interno, es por ello que el jazz creativo es un compromiso de observación, modificación, experimentación e impulso individual para la creación de un nuevo movimiento. El hombre blanco se ha apoderado exitoso de estas formaciones, desacreditando la realidad de su construcción, las danzas nativas enriquecidas a un nuevo método, estilo, técnica, formación y principalmente expresión.
No se trata de una disputa racial, si no tan solo indagar acerca de los orígenes de cada género, estilo, método y aportación. Todo genero (danza) debe ser explorada atendiendo su necesidad, trasmisión, energía y la consistencia social e histórica que otorga su nacimiento. La palabra danza no forma parte de una técnica, surge a través del deseo de expresar y dar a conocer una cultura, los ideales, nuestros adentros. El humano ha experimentado los sonidos de la naturaleza, el incesante golpeteo del sonido de un corazón, permitiéndose desplazar y acompañar los ritmos a través de los movimientos que manifiestan la liberación del hombre.
La danza, un ritual, espiritualidad, comunicación, integración y la posible entrega de narrar y comunicar lo que nos mueven, comprendiéndose como una herramienta peligrosa para la libertad de expresión. La danza jazz, digna de ser descubierta en totalidad. Debido a su perseverancia y constancia al darse a conocer, ya que esta misma, si se es comprendida en su totalidad nos permite descubrir que es capaz de restaurar lo que alguna vez fue destruido.
“EN LA CLASE ME OLVIDO DEL MUNDO”
“Bailar es mucho mas que poner el cuerpo en movimiento” es distenderse, reencausar energías y comunicarse con nosotros mismos, un testimonio, varias opciones para cada necesidad.
“el baile me enseño a soltarme” dice Gabriela Matto. 33 años, quien desde niña hacia danzas clásicas y hace poco quiso probar con el jazz” siento que el jazz da técnica, soltura y dinamismo.
Mas allá de que lo haga bien o mal, lo lindo es vibrar con la música. En este momento me pasan un montón de cosas, es como una especie de terapia. Es una hora y media para mí que disfruto y me olvido del mundo la danza tiene eso que también se ve en el arte, donde uno se evade bastante. Cuando bailo me siento cómoda, le hace bien a mi cuerpo, pero principalmente a mi espíritu.
Hasta diría que el baile cambio la forma de llevar mi vida. A diferencia de la gimnasia como bailar es más dinámico y tiene un compromiso mayor a nivel mental…
La primera vez que me pare frente a un espejo descubrí que mi vida y mi interior se regocijaban a la paz. Encontré en el baile un medio de expresión que no puedo dejar.
“CONCEPTOS DE DISTINTAS
RAMAS DEL JAZZ”
DANZA CONTEMPORANEA: Se trata de un acercamiento a la danza a través del estiramiento técnico. A punta a la colocación y alineamiento óseo, la elongación y la tonificación muscular. Se busca el desarrollo de habilidades técnicas y la organización del movimiento en secuencias coreográficas que promueven la relación del cuerpo con la energía, el espacio y el tiempo. La propuesta consiste en romper con los impulsos que nos hacen mover siempre de la misma manera y buscar el asombro en nuestro ser.
DANZA CLASICA: El trabajo consiste en un reconocimiento muscular a partir de ejercicios específicos como estiramiento, rotación y trabajo a la musculatura abdominal. Permite evitar lesiones y lograr un mejor manejo del cuerpo a través de las sensaciones, ya que las clases se realizan frente a un espejo.
MODERN JAZZ: La finalidad de las clases es el estudio de los elementos básicos correspondiente a la técnica de movimiento del jazz y la exploración del movimiento coreográfico. Es ideal tanto para modelar cuerpo para mejorar la circulación sanguínea. Se trabaja en el suelo y en la barra.
INICIACION DEL MOVIMIENTO: Esta disciplina por un lado recrea y por el otro promueve una correcta postura del cuerpo y flexibilidad muscular. Es ideal para personas adultas sin experiencia en ningún tipo de danza. Las clases consisten en ejercicios de elongación y secuencias coreográficas.
ESTIRAMIENTO: Se trata de un taller para reconocer el cuerpo y trabajar como una unidad. Favorece la alimentación entre los huesos y la apertura de articulaciones. Se trabaja el cuerpo vertical, la columna, el equilibrio y los pies como punto de apoyo.
También el cuerpo horizontal y su encuentro con la tierra. Es especial para aquellas personas que tienen poca experiencia en la gimnasia o que hace mucho no practican ningún deporte.
“SIGNIFICADO DE LAS PALABRAS”
PARTE II
ADAGIO: 1) Cualquier baile interpretado con música lenta.
2) Apertura del pass de deux, en el ballet clásico.
ALLEGRO: Cualquier baile interpretado con música rápida. Enérgico, animado. Un término que se aplica a todos los movimientos brillantes y enérgicos. Todos los pasos de saltos tales como el entrechat, cabriole, assemblé, JETE etc. Se realizan bajo esta clasificación. El allégro es uno de los diferentes ritmos del ballet, es el más rápido y difícil de ejecutar, ya que se necesita mucha agilidad y fuerza.
APLOMO: Termino de ballet para indicar equilibrio y la habilidad para mantenerlo.
ARABESQUE: Posición en el ballet en la que el bailarín se sostiene con una pierna extendida recta por detrás del cuerpo. Este puede tener distintas posiciones, con la otra pierna derecha o doblada, con el pie que sostiene en el suelo o en punta, el torso erguido o inclinado. Es una posición del cuerpo que ha de ponerse de perfil, apoyado respecto a una pierna, que puede ser recta o demi-plié o en releve, y la otra pierna levantada detrás y estirada. Los brazos se encuentran sostenidos en las varias posiciones que crean la línea más larga y estilizada. Los hombros se deben sostener cuadrados a la línea de la dirección. ASSEMBLÉ : Montado o unido juntos. Un paso en el que el pie que trabaja se desliza por el suelo antes de elevarse por el aire. Como el pie entra en el aire, el bailarín se eleva del suelo con la pierna de apoyo. Ambas piernas una vez realizado el salto bajan a tierra simultáneamente en la quinta posición. Salto en ballet en el que el bailarín se posa en el suelo con los pies juntos. ATTITUDE: Es una posición en una pierna (como arabesque) con la diferencia que la que se encuentra levantada flexiona la rodilla doblándola en un ángulo de 90 grados. El pie de soporte puede ser terre, demi-pointe o pointe. Los brazos se encuentran sostenidos en las varias posiciones que crean la línea más larga y estilizada. Los hombros se deben sostener cuadrados a la línea de la dirección.
AVANT: Delante. Una dirección para la ejecución de un paso. Indica que un paso debe ser ejecutado hacia adelante. BALLANCÉ: Paso oscilante. Este paso es muy parecido al movimiento del valse y es una alternación de equilibrio, cambiando el peso de un pie al otro. El balancé puede variar sus estilos, se ejecuta hacia delante, atrás o girando.
BALLET: Un trabajo realizado en el ámbito de teatro, en la cual un coreógrafo ha expresado sus ideas hacia un grupo o bailarines o solistas, junto a un acompañamiento musical con los trajes apropiados, el decorado y luces. No siempre un Ballet se basa en un argumento. La danza clásica o ballet es una forma de contar una historia utilizando el movimiento del cuerpo. El ballet es uno de los bailes que requiere entrenamiento desde una temprana edad, sobretodo si se quiere llegar a ejecutar profesionalmente. El ballet clásico es la base necesaria como preparación para cualquier otro estilo de baile.
BARRA: La barra de madera se encuentra en posición horizontal, sujeta a las paredes de la sala de clase del ballet para que el bailarín se apoye y practique los ejercicios.
BATTEMENT: Acción que consiste en sacar la pierna extendida. Hay dos tipos de battements: grands battements y petits battments. Los petit battement son: tendus, dégagés, frappés. Los gran battement: en cloche, y estirado.
BATTEMENT FONDU: Es un ejercicio en el cual la pierna soporte está doblada lentamente en demi plie (como hundiéndose abajo) y el pie que trabaja señala el tobillo y se estira hacia el suelo o hacia el aire. Mientras que se endereza la pierna soporte se extiende. El fondú puede ejecutarse con punta en el piso o en el aire. Se puede ejecutar en varias posiciones: al frente, al lado o atrás. BATTEMENT FRAPPE: Battement pulsado. Un ejercicio en el cual el bailarín poderosamente amplía la pierna de trabajo de una posición cou de pie a varias posiciones: al frente, al lado o a la parte posterior. Este ejercicio consolida los dedos del pie y los empeines y desarrolla la energía de las puntas.
CABRIOLE: Un paso del allegro en el cual las piernas extendidas se baten en el aire. Los Cabrioles se divide en dos categorías: petite, que se ejecutan en 45 grados, y grandes, que se ejecutan en 90 grados. La pierna de trabajo se empuja en el aire, la pierna que esta debajo la sigue y la golpea enviándola más arriba. El aterrizaje entonces se hace primero con la pierna que esta debajo.
COREOGRAFIA: Esto es un término usado para describir los pasos de progresión, las agrupaciones y los modelos reales de un ballet clásico o de una composición de la danza. Una coreografía puede ser muy sencilla o muy complicada, corta o larga y de cualquier disciplina en cuanto a la danza o expresión corporal. CHASSE: Perseguido. Un paso en el cual un pie persigue literalmente el otro pie de su posición; hecho en una serie. Este paso puede ejecutarse hacia adelante (chassé en avant), hacia atrás (chassé en arrière), al lado (chassé en écarté) y girando (chassé en tournant). Los brazos y la cabeza deben moverse en armonía con la dirección en la que se haga el chassé. DEMI-PLIE: Mitad flexión de las rodillas. Todos los pasos de la elevación comienzan y terminan con un demi-plié. Es importante hacer demi plié antes y después de saltar para tener una buena elevación y para no lastimarse las rodillas al caer.
DERRIÈRE: Detrás, atrás. Este término puede referirse a un movimiento, el paso o la colocación de un miembro atrás (trasero) del cuerpo. En relación a un paso en particular, la expresión de derrière implica que el pie que trabaja cierra atrás. El grand battement, el tendú, rond de jamb o attitude son solo algunos de los pasos que se pueden ejecutar derrière. DEVANT: En frente. Este término puede referirse a un paso, el movimiento o la colocación de un miembro delante del cuerpo. En la referencia a un paso particular la adición de la palabra "devant" implica que el pie que trabaja es cerrado en el frente. Cuando el maestro o coreógrafo indica a los bailarines que los brazos o cou de pieds son devant, ellos ejecutan la acción por inercia.
DEVELOPPE: El tiempo de desarrolló de un movimiento. Por el uso común el término se ha abreviado a développé. Un développé es un movimiento en el que la pierna que trabaja es elevada al nivel de la rodilla de la pierna de apoyo y despacio ampliada a una posición abierta en l'air y sostenida allí con un control perfecto. Las caderas son mantenidas a nivel y en la dirección en la que el bailarín se enfrenta. El développé se puede realizar hacia delante (devant), a lado (de côté) o detrás (dèrriere).
DEDANS: Hacia dentro. En pasos y ejercicios el término dedans indica que la pierna, en una posición à terre o en l'air, se mueve en una dirección circular, en sentido contrario a las agujas del reloj. Como, por ejemplo, en rond de jambe à terre en dedans. En piruetas, el término en dedans indica que una pirueta es hecha hacia adentro, hacia la pierna de apoyo. DEHORS: Externo. En pasos y ejercicios el término en dehors indica que la pierna, en una posición à terre o en l'air, se mueve en una dirección circular, en el sentido de las agujas del reloj. Como, por ejemplo, en rond de jambe à terre en dehors. En piruetas el término indica que una pirueta es hecha externa hacia la pierna que trabaja. En piruetas el término en dehors indica que una pirueta es hecha externa hacia la pierna que trabaja.
ELEVACION: Es un término usado para describir la altura lograda en pasos de progresión tales como entrechats, grands jetés, etcétera, combinado con el ballon de modo que el bailarín salte con una elasticidad agraciada como el movimiento que despide de una bola de goma que toque la tierra al momento y después rebote en el aire. La elevación se cuenta por la distancia entre las puntas acentuadas del bailarín en el aire y la tierra. FONDU: El hundirse abajo. Un término que describe bajar del cuerpo doblando la rodilla de la pierna de soporte. En algunos casos el término fondu se utiliza para describir la conclusión de un paso cuando la pierna de trabajo se pone en la tierra con un movimiento suave y gradual.
FOUETTÉ EN TOURNANT: Como un látigo. Latigazo en giro. Espectacular giro donde el pie de trabajo es estirado y recogido durante las vueltas. La cabeza se mantiene mirando un punto fijo y los brazos ayudan a la postura y al giro. Solamente una persona en el mundo ha realizado 32 fouettés seguidos en una pieza de ballet, la clave es el buen equilibrio y saber girar la cabeza para no marearse.
GLISSADE: Deslizamiento. Deslizando el pie de trabajo de la quinto posición en la dirección requerida, el otro pie se cierra a ella. Glissade es un paso de suelo y se utiliza principalmente para ligar hacia otros pasos. El Glissade se puede ejecutar con o sin cambio de pies, y todo comienza y termina con un demi-plié. Hay seis glissades: devant, derrière, dessous, dessus, en avant, arrière. La diferencia entre ellos depende de las posiciones que comienzan y que acaban así como la dirección del cuerpo.
GRAND PLIÉ: Posición en la cual se doblan completamente las piernas. En el grand plié es importante mencionar que se suben los talones únicamente cuando ya no es posible sostenerlos en el piso. Es decir, que no se suben "antes" sino como una consecuencia del estiramiento máximo.
GRAND JETE: En este paso las piernas se lanzan a 90º grados con un salto de altura correspondiente y un desplazamiento corporal. Se hace hacia delante, al croisée o al effacée y a todos los arabescos. Puede también ser realizado al revés con la pierna levantada al croisé o el effacé devant.
PAS: Paso. Un paso simple o un movimiento compuesto que implica una transferencia del peso. Ejemplo: pas de bourrée. "Pas" también puede referirse a una danza ejecutada por un solista, un dueto (pas de deux) etc.
PAS DE BOURRÉE : Paso que comienza en quinta posición y el pie de atrás pasa delante y cierra otra vez la quinta. También el pas de bourrée puede ejecutarse como dessus en varia posiciones derrière, en avant, and en tournant, en dedans y en dehors, en point o demi-pointe. No solamente el ballet utiliza el pas de bourrée, se ha vuelto tan popular que hoy en día lo utilizan en jazz y hip hop.
PAS DE DEUX: Francés, pasos/danzas para dos) es un dueto en el que los pasos de ballet son ejecutados conjuntamente (por dos personas). Usualmente consiste en una entrée (entrada de la pareja), adagio, dos variaciones (una para cada bailarín), y una coda. En el pas de deux pueden ejecutarse una gran variedad de pasos de pareja, siendo los más tradicionales: promenades, pirouettes y levantadas. PASSÉ: (Francés: pasar) Ballet. Movimiento auxiliar que consiste en doblar la pierna libre a la altura de la rodilla de la pierna de apoyo para permitir el paso de una posición a otra. PIROUETTE: Pirueta. Giro o vuelta. Una vuelta completa del cuerpo con un pie en punta o demi-pointe. Las piruetas en-dedans realizadas dando vuelta al interior, hacia la pierna soporte, o las en-dehors dando vuelta hacia fuera, en la dirección de la pierna levantada. Las piruetas se pueden realizar en cualquier posición dada, tal como quinta posición, attitude, arabesco, a la seconde etc.
PLIE: Doblado. Una flexión de las rodillas. Este es un ejercicio para trabajar las elongaciones y que los músculos se vuelvan suaves y flexibles; los tendones flexibles y elásticos; sirve también para desarrollar un sentido del balance. En todos los pliés las caderas debe estar derecha y sobre los dedos del pie el peso del cuerpo es distribuido uniformemente en ambos pies, con el pie entero agarrando el piso.
PORT DE BRAS: Un movimiento o una serie de movimientos hechos pasando el brazo o los brazos con varias posiciones. El paso de los brazos a partir de una posición otra constituye un port de bras. Un término para un grupo de ejercicios de modo que los brazos se mueven agraciados y armoniosos. En la ejecución de port-de bras los brazos deben moverse desde el hombro y no del codo y los movimientos debe ser lisos y fluidos. RELEVE: Levantado. Es subir a la media punta o punta. Hay dos maneras de relevé. En la escuela francesa, el relevé se hace con una subida lisa, continua mientras que el método de Cecchetti y la escuela rusa utilizan un pequeño resorte. Relevé se puede hacer en las cinco posiciones, arabesco devant, derrière, en tournant, en del passé avant, arrière del en del passé etc.
RON DE JAMBE: Movimiento redondo de la pierna, es decir, un movimiento circular de la pierna sin mover las caderas y la pelvis. El ronds de jambe se utiliza como ejercicio en la barra, en el centro y puede hacerse a terre o en l'air. Todos los rond de jambe que se hacen hacia la derecha son déhors y a la izquierda los dedans.
ROND DE JAMBE À TERRE: Rond de jambe en la tierra. Un ejercicio en la barra o en el centro en el cual la pierna que trabaja crea una serie de movimientos circulares en la tierra. Ambas piernas se deben quedarse derechas y todo el movimiento debe venir de la cadera, junto con el arqueamiento y el relajar del empeine que pasa por la primera posición. Hay dos clases de ronds de jambe à terre: en dedans (hacia dentro) y en dehors (hacia fuera).
ROND DE JAMBE EN L´AIR: Rond de jambe en el aire. Se hace en la barra y en práctica del centro. El dedo del pie de trabajo describe un óvalo, las extremidades de el El muslo se debe mantener inmóvil y haber realizado bien el control de las caderas. El muslo debe también ser sostenido horizontalmente de modo que el dedo del pie pase a la altura de la rodilla de soporte. SAUTE: (Francés: saltar) Ballet. Nombre genérico para denominar a los saltos. Existen muchos clases de sauté, saut de basque, saut de cheval, saut de poisson, y pueden ser pequeños o grandes.
SISSONNE: Es un salto de ambos pies, deslizando el peso del cuerpo sobre el pie de apoyo. Los petites sissonnes son sissonne simple, sissonne fermée, sissonne ouverte en 45 grados y sissonne tombée, también en 45 grados. Los grand sissonnes son sissone ouverte en 90 grados, sissone renversée sissone y soubresault. Sissonne puede ser petite o grande.
TOUR EN L´AIR: Vuelta en el aire. Éste es esencialmente un paso de un bailarín masculino aunque los coreógrafos contemporáneos lo utilizan también para las bailarinas. El Tour an L aire, es una vuelta en el aire en el cual el bailarín se levanta derecho en el aire de un demi-plié, hace una vuelta completa y baja al piso en la quinto posición con los pies invertidos. DE CÔTÉ : De lado. Usado para indicar que un paso debe ser hecho al lado, o sea a la derecha o a la izquierda. El tondu, fondu o chassé son unos ejemplos de ciertos pasos que se pueden hacer de côté.
LAS 7 CLASES BASICAS DE MIVIMIENTO:
<!--[if !supportLists]-->1- <!--[endif]-->PLIES: DOBLARSE.
<!--[if !supportLists]-->2- <!--[endif]-->ENTENDRE: ESTIRARSE.
<!--[if !supportLists]-->3- <!--[endif]-->RELEVE: LEVANTARSE.
<!--[if !supportLists]-->4- <!--[endif]-->GLISSADE: DESLIZARSE.
<!--[if !supportLists]-->5- <!--[endif]-->SAUTE: SALTAR.
<!--[if !supportLists]-->6- <!--[endif]-->TOURNE: VOLVER.
<!--[if !supportLists]-->7- <!--[endif]-->ELANCE: LANZARSE.
Estos son los más sencillos, sobre estos se construyen otros más complejos.
¿QUE ES LA DANZA?
La palabra danza o danzar, proviene de la antigua Alemania. “danza”, que quiere decir estirarse. Todo baile esta compuesto por estiramiento y relajamiento.
Los músculos están tensos de saltar y después se relaja al posarse suave. Pero el baile debe ser organizado, no es suficiente saltar de un lado a otro, en un estado de genio.
El baile es un medio para expresar las propias emociones a través de una ejecución de movimientos disciplinados por el ritmo.
La danza humana es tan antigua como el primer hombre que expresaba sus sentimientos de alegría por medio de pasos, saltos o gestos, hace 25 mil años.
La danza puede ser que sea la mas antigua de las artes y es un arte que no necesita ningún otro instrumento mas que el cuerpo del bailarín.
La música vino después, originalmente el zapateo y también las palmas proporcionaron la música y el ritmo necesario para la danza.
El baile y la música depende del ritmo y así comprendieron los primeros artistas. El baile es internacional, puede ser rápido o lento, alegre o solemne. El baile pudo haber sonado como expresión rítmica de la felicidad, pero rápidamente paso a paso (practico), los ejercicios y pasos de la danza pasan con el tiempo y el lugar, siempre cambiando a medida q el hombre moldea el medio ambiente.
A través de los siglos, el vestuario no solo a prestado emoción al baile, a ayudado a crear pasos de baile, mas adelante apareció la decoración (escenografía).
El maquillaje y el vestuario ayudan a transformar a una persona corriente en un dragón o en un pájaro. La música, el baile, la decoración, el tema de grupo se ha pensado como parte de un todo, deben mezclarse para conjurar la magia del cuerpo del baile.
¿QUE SE ENTIENDE POR DANZA?
Según Marazzo, la danza recoge los elementos plásticos de los movimientos utilitarios de los seres humanos y los combinan en una composición coherente y dinámica animada por el espíritu. Esto la convierte en una obra artística. Forzosamente por tanto, para estudiar el arte del movimiento, no nos podemos limitar a estudiar un estilo u otro de danza sino que debemos abarcar:
- El conocimiento de sus medios de expresión: el cuerpo y las técnicas existentes que lo modelan hasta lo abstracto.
- El saber escoger entre la infinidad de movimientos posibles, los mejores mensajeros del pensamiento, la emoción o el tema que se pretenda desarrollar.
- El abrir una puerta a la fantasía, a los sueños y al mundo.
Observando la danza de forma global existe un:
Aspecto limitado. Técnica específica que acota de alguna manera la acción del cuerpo y su movimiento. Exige entrenamiento con métodos tradicionales comunes a las destrezas motrices. Aspecto libre. Coincidente con el mundo de la expresión, en la que no existen más límites de acción y posibilidades de movimiento que los que uno mismo quiera imponerse.
“LOS RIESGOS DEL SOBRE ENTRENAMIENTO INFANTIL”
No nos cansaremos de recordar que el niño no es un adulto. El organismo del niño tiene particularidades propias tanto en lo anatómico como fisiológico como también en lo psicológico y en función de ellas se deben aprender a programar ejercicios físicos. Los profesores no dejan de preocuparse por una verdad irrebatible de las lecciones que sobre carga es decir por un proceso de entrenamiento. La explicación parece que esto en la existencia de una mayor - precisión de los padres para que los niños se destaquen en competencias o clases:
Tal vez por que los padres no pudieron concretar su sueño de ser artista, descargan en sus hijos las ilusiones que ellos tienen y se dedican a ejercer sobre ellos las propias frustraciones.
El espíritu de la danza es competitivo, exige ganar y hacer ganadores de la más tierna infancia. Se encuentra una expresión natural en la transformación “el baile es salud”, por aquella frase “más alto, más lejos, más fuerte” y todo esto en realidad es malo. Llega a ser peligroso algo que al principio, es precioso y bueno para mantener una vida en optimas condiciones.
Las lecciones crónicas por sobre recargas entre los mejores que practican danza, han aumentado de manera alarmante. La presión de los padres para que los hijos se destaquen en la competencia, parece ser la causa de este fenómeno.
Con carácter general, hay que evitar en el niño los ejercicios violentos muy repetitivos, la practica excesiva de ejercicios, la híper musculación, la pobre flexibilidad pero no produce entre otros inconvenientes las lecciones de cartílagos de crecimiento.
“EVOLUCION CRONOLOGICA”
ENTRE LOS 5 Y 11 AÑOS:
Se extiende el inicio de la vida… es dar a la pubertad. Se caracteriza por una musculatura débil, una buena flexibilidad y unas escasas capacidades de concentración, sobre todo si se requiere su atención durante un largo plazo de tiempo prolongado. Hasta la edad del niño puede iniciarse en las actividades dancisticas. Pero también debe jugar no solo se ha despreciado en lo absoluto para que participe. Hay que vigilar la postura y las actitudes y que su esqueleto aun no esta formado y tiene todavía poco tono muscular.
ENTRE LOS 11 Y 15 AÑOS:
El niño entra en la pubertad y su cuerpo experimenta un gran brote de crecimiento. El adolescente se inicia en actividades competitivas, aunque perder o ganar debe crear importancia. En esta etapa, la competitividad debe ayudar a descubrir que toda actividad tiene una finalidad y que deben respetarse las normas y también deben saber valorar el trabajo en equipo.
A PARTIR DE LOS 15 AÑOS:
Acaba la adolescencia y comienza la edad adulta es importante evitar el entrenamiento sean llevados por las observaciones de alcanzar un rendimiento máximo a cualquier precio. Y estos son aplicables tanto a niños como también para los adolescentes. La danza competitiva en el niño conserva unos límites biológicos y unos riesgos psicológicos y de desarrollo social. La preparación intensa para la competencia psicológica y peligrosa.
DANZA JAZZ
EN LA PRIMERA INFANCIA II
Los defectos posturales son muy frecuentes en pequeños y adultos. Conviene prevenirlos lo antes posible algunos ejercicios a la vez son muy eficaces y divertidos. La gimnasia y la danza se han puesto de moda. La falta de ejercicios es muy perjudicial tanto para los adultos como para los niños. La coincidencia es que en muchas ocasiones los pequeños desarrollan defectos posturales que se detectan cuando es demasiado tarde. Por ello, es muy importante que los niños se sometan a una revisación médica, periódica desde muy pequeños para comprobar que su crecimiento va bien además conviene se mueva un poco cada día.
Entre risa en risa: evidentemente no pretendemos que acudan a un gimnasio después de la clase de preescolar. A esta edad los ejercicios se pueden plantear con gran entendimiento. Saltar, correr, rodar, hacer equilibrio, con una pelota de colores moviendo pueden pasar de maravillas. Mas adelante se pueden incorporar ejercicios para estirar la capacidad de coordinación (que implico también el cerebro) su flexibilidad y agilidad.
Incluso pueden si nosotros llevamos una vida excesivamente sedentaria pasamos horas sentados frente al televisor y no demuestra ninguna afición hacia el movimiento estos seguirán nuestro ejemplo. No se trata de llevarlos a un gimnasio que se trabaje con aparatos, desde luego que no es ideal para el niño. Entre otras cosas por lo que un pequeño se aburriría. La cuestión es demostrar en ellos el gusto por el movimiento, nunca debemos forzar a un niño a que haga gimnasia si el no lo desea.
“LA VIDA DE UN COREOGRAFO”
Michael Tulcán nació en EE.UU., hace 30 años, su padre era ingeniero y su madre costurera. De chico era muy inquieto su gran problema era sentarse a estudiar. Solo lo hacia si le prometía, como recompensa varias horas de actividades deportivas.
A los 12 años de ingreso a la escuela de baile de su ciudad, aunque empezó un poco tarde, sus avances fueron asombrosos.
Cuatro años después, durante una gira, asistió por casualidad a una clase de free-dance el maestro era el director de las obras musicales mas conocidas de esa época. Esto habría de marcarlo definitivamente. Quede deslumbrado, fue como un electro-shock empecé a prepararme para que el maestro me aceptara como alumno.
Era muy exigente. Ensayaba desde las 9 de la mañana hasta las 10 de la noche. Estudiaba 25 materias. Así durante siete años, hasta la muerte de Brian Smith, fui su último alumno.
Su estilo era tan puro que resultaba difícil hablar de el con palabras sencillas. Tenia la habilidad de inyectar en sus alumnos el amor por la danza y su amor era tan grande que uno terminaba obsesionándose. La danza se convirtió así en mi único deseo. La recompensa fue conmovedora, lo nombraron remplazante de Braian Smith, así inmediatamente empezaron uno tras otro, sus grandes éxitos. Tal vez el era el mas perfecto coreógrafo de la época, en realidad fue quien invento y bailo a la perfección el nuevo estilo del free-dance.
En sus clases musicales se desquita con la infalible acción de sus reflejos, rapidísimos.
Corporalmente es el más hermoso, su estatura cobra vida y arriba del escenario, no es frío. Jamás demostró el ánimo del esfuerzo.
Mago del movimiento armonioso, es el ideal de la danza. La precisión y la superación parecen la meta de Michael Tulcán. Inventor de su propio estilo “siempre mas alto siempre mas lejos” en cámara lenta uno.
-Danza Jazz
Sus orígenes
-Los elementos de la danza
a) Centro de actividad y concentración
b) Gravedad
c) Equilibrio
d) Postura
e) Gesto
f) Ritmo
g) Movimiento en espacio
h) Respiración
-Técnica utilizada en la danza jazz
TÉCNICO – PRÁCTICO
-Posiciones del cuerpo en el jazz
-Posiciones utilizadas para piernas (Abiertas – Cerradas)
-Posiciones utilizadas para brazos (Técnica clásica)
-Ejercicios de formación (Técnica básica en la barra)
Demi plié y grand plie
Battements tendus
Battements dégagés
Rond de jambe par terre
Passé, développé (en croix)
Attitudes en avant, a la seconde, en arriere (Abiertas – Cerradas)
Relevés
Grand battements
-Ejercicios de fuerza y flexibilidad muscular en diferentes posiciones (Barra o piso)
-Movimientos aislados (Isolations)
Cabeza, hombros, caja toráxica, caderas
-Giros
Pirouettes en dehors (Preparación y passé cerrados)
Piqué turns
-Saltos
Hop, sissone, assemblé (Abiertos – cerrados)
-Jazz Walks
Caminatas
COREOGRAFÍAS
Ejercicios de coreografías sobre diferentes ritmos musicales.
DANZA JAZZ
SUS ORÍGENES
Tanto la música como la danza conocidas con el nombre Jazz son el resultado de la fusión de un amplio espectro de influencias e interrelaciones que prosperaron en los territorios del sur de los Estados Unidos a partir del siglo XVIII, aunque su proyección a escala nacional fuese más tardía (hacia fines del siglo XIX) y su irrupción internacional no se produjo hasta la segunda década de este siglo. Únicamente considerada como propia a los esclavos negros de las grandes plantaciones de algodón y de tabaco, la cultura del Jazz refleja influencias de muy diversa índole.
Por una parte se aprecian en ella ritmos y bailes africanos que perduraron en la conciencia colectiva de los negros.
Tales ritmos, aunque diferentes según las etnias, tenían en común sus roles, social, religioso o ritual: danzas para propiciar la lluvia, para pedir la fecundidad o para celebrar los nacimientos; danzas de guerra o de caza, letanías o formas musicales que servían como soporte a la narración de aventuras fabulosas o sucesos cotidianos propia de sociedades que desconocían el uso de la escritura. Por otra parte, y fruto sobre todo del interés de los amos blancos por liquidar todo intento de pervivencia de ritmos y de formas folclóricas propias (por ejemplo, las leyes sobre la esclavitud o Slave Laws de 1740 establecían la prohibición de “golpear tambores, soplar instrumentos de viento o similares”), los negros sólo tuvieron el recurso de expresarse en sus ceremonias religiosas que, a partir de las del cristianismo protestante de los blancos, fueron convirtiendo en expresiones particularmente propias. De estas ceremonias surgió una de las formas musicales más importantes de cuantas se han dado en los Estados Unidos, los “Negro Spiritual”, cuyo canto solía acompañarse de movimientos rítmicos.
Paralelamente los negros cautivos crearon otras formas, como los “Blues Ballads” y, sobre todo, las “Work Songs” (canciones de trabajo) que solían cantar en coro, siempre bajo la tutela de un guía.
El otro gran bloque de influencias que recibió el legado musical negro fue el de la música y la danza blanca, y más propiamente, la música popular de raíz europea. Así, y aunque no parece claro si tal influencia se operó por vía de la imitación o si, por el contrario, lo hizo por vía de la burla y la ridiculización de los gustos que los negros observaban en sus amos, lo cierto es que las polcas, las cuadrillas e incluso las marchas militares, las gigas irlandesas y ciertos bailes ingleses como el clog, comenzaron a mezclarse con las danzas autóctonas para dar lugar a lo que conocemos como “Jazz”.
Si bien fueron los negros quienes, en privado o bien como entretenimiento de sus amos llevaron a cabo las mutaciones que harían que las danzas tribales africanas desembocarán en el Jazz, fueron los blancos quienes primero llevaron estas danzas a los escenarios.
Ya desde comienzos del siglo XIX cuando algunos grupos de bailarines irlandeses comenzaron a actuar en todo el país las danzas de los negros eran interpretadas por bailarines blancos quienes, como All Jonson, en la película “The Jazz Singer” (1927), se pintaba la cara de negro para cantar, bailar, y parodiar a los esclavos.
No obstante, en algunas ocasiones era un bailarín negro quien subía al escenario, sobre todo, cuando la audiencia era mayoritariamente negra, lo cual se hizo mas frecuente a partir de la guerra de secesión y la eliminación formal de la esclavitud.
Mas raramente sucedía que un bailarín blanco invitara a algún negro a subir al escenario para que mostrara sus habilidades, como lo hizo Thomas D. Rice, quien hacia 1830 y en un teatro de Louisville, Kentucky, fue uno de los primeros cultivadores de un nuevo género, el MINSTREL SHOW en el cual adquirió fama el primer bailarín negro que recogen las crónicas, William Henry Lane, llamado JUBA.
El MINSTREL pasó por varios períodos: El llamado clásico que abarca desde 1830 a 1850 y que se caracterizó por la preeminencia de blancos pintados; el período siguiente va de la guerra de secesión hasta final de siglo, y en él se destacaron bailarines negros como Kersands, Weston y los hermanos Hunn, y compañías estables como la que fundó Charles Hicks en 1865 con el nombre de “Georgia Minstrels”. El período de la decadencia se cifra en los años finales del siglo XIX y en los primeros XX cuando los blancos abandonaron el género para dedicarse a otros tipos de espectáculos como el VAUDEVILLE o las VARIEDADES. No obstante, el MINSTREL perduró entre los negros del Sur hasta bien entrada la década de 1940.
LOS ELEMENTOS DE LA DANZA
Cuando comienzas a aprender danza, es muy importante reconocer aquellos elementos o herramientas que un bailarín necesita adquirir.
Este capítulo se trata de una reseña de los elementos más vitales de deben considerarse para bailar.
CENTRO DE ACTIVIDAD Y CONCENTRACIÓN
GRAVEDAD
EQUILIBRIO
POSTURA
GESTO
RITMO
MOVIMIENTO EN ESPACIO
RESPIRACIÓN
Esto puedes no entenderlo al principio. Simplemente debes leerlo a partir de ahora, una y otra vez periódicamente a medida que progresas.
La comprensión se irá incrementando una vez que comienzas a descubrir con tu propio cuerpo lo que significan.
El primer elemento es fundamental en lo que hace a la habilidad de bailar bien. “CENTRO DE ACTIVIDAD Y CONCENTRACIÓN” o donde se mantiene el sentido del centro del cuerpo, el cual te sostiene durante el movimiento. Sentirás el centro de actividad cada vez más y disfrutarás la forma en que te permite mover; libre y graciosamente.
El segundo elemento es “GRAVEDAD”, la fuerza que te atrae hacia la tierra y que debes aprender a trabajar ya que constantemente te impide movimiento. Una de las formas para vencerlo es logrando “EQUILIBRIO” (tercer elemento y el más importante) que es la práctica de mantenerte sobre una pierna.
En la danza, tu objetivo es lograr y mantener constantemente tu cuerpo con equilibrio interno. Es este tipo de equilibrio al que nos referimos cuando hablamos de una habitación en la cual los muebles están bien distribuidos así como también hay un equilibrio. Simplemente se trata de tener dominio sobre todas las partes que hacen un todo.
“LA POSTURA” o alineación del cuerpo está estrechamente vinculada con el centro de actividad, gravedad y equilibrio, y se irá mejorando a medida que desarrolles los tres primeros elementos; aunque tendrás que trabajarlos independientemente. Necesitas cambiar tu percepción sobre tu cuerpo como un instrumento expresivo para comunicar sentimientos e ideas en rutinarios movimientos. El enojo, por ejemplo, es expresado con movimientos muy distintos a aquellos que representan la alegría o la tristeza.
El “RITMO” es algo que todos tenemos, aunque muchas personas no se hayan dado cuenta o no sean sensibles a él.
Vivimos nuestra vida sujeta a un complejo accionar de ciclos y ritmos; nuestros corazones laten a un ritmo y nuestros pulmones respiran. Encontrar tu sentido de ritmo, es más bien una cuestión de prestar atención.
El séptimo elemento es llamado “MOVIMIENTO EN ESPACIO”.
Cuando bailas, necesitas darte cuenta del lugar que tienes a tu alrededor; como si fueras un gato que nunca es indiferente al espacio en el cual se mueve. Como cuando se trata de saltar sobre el brazo del sofá en el cual has brincado miles de veces antes, aún se mueve con cautela midiendo el espacio que queda.
Nuestro último elemento es la “RESPIRACIÓN”. Al principio es muy difícil coordinar la respiración con el movimiento cuando bailas, pero es esencial para bailar, no sólo para oxigenar bien el cuerpo sino también para darle fluidez y armonía a tu movimiento.
Cuando miramos una hermosa pieza de porcelana o alhaja, sabemos cuánta atención y cuidado llevó lograr esa calidad.
La misma calidad que queremos mostrar en nuestros cuerpos se logra con la técnica, que es la suma total de todos estos elementos o herramientas de baile.
CENTRO DE ACTIVIDAD Y CONCENTRACIÓN
Es todo el trabajo que realizas sobre ti mismo en la danza; es tu habilidad para moverte, sostenerte y organizarte alrededor del centro de tu propio físico. Así como el mundo orienta toda su materia alrededor de un punto central, tal vez un átomo, nosotros tenemos un punto central en nuestros cuerpos por el cual nos movemos. Es nuestro “centro físico”. Estando centrado, puedes eventualmente hacer cualquier cosa; de lo contrario, podrás desarrollar lindas piernas y brazos pero nunca te moverás bien.
Puedes comparar tu sentido de centro con tu sentido de lugar u hogar. Este último recordado y conocido. Sabes direcciones desde allí como todas las actividades que se extienden desde un punto central, no importa lo lejos que puedas viajar; tu recuerdo de donde es casa es la base para relacionar el resto del mundo. Pero aún no conocemos el territorio interior de nuestro propio cuerpo.
Si tuvieras que equilibrar tu cuerpo sobre un sostén como un sube y baja, el punto de equilibrio estaría cerca de tu centro físico. En la mayoría de las personas, el centro del cuerpo es una o dos pulgadas por debajo del ombligo o en el medio de la pelvis dependiendo del largo y lo pesado de sus piernas.
Todo esto puede parecer muy teórico hasta que comiences a sentirlo. Empieza a sentir como tus brazos y piernas trabajan desde el mismo punto central en la espalda. Presiona una mano sobre los músculos de la parte mas baja de la espalda, justo por debajo de la cintura. Ahora balancea el otro brazo y siente como se mueven los músculos de la espalda. Reduce el balanceo del brazo a una o dos pulgadas, y aún sentirás los músculos de tu espalda moverse. Lo mismo ocurrirá con tus piernas. Ahora realiza el mismo procedimiento presionando tu mano sobre la espalda y camina en pequeños círculos, balanceando el otro brazo, y siente como el músculo se acomoda en el centro de tu espalda. Luego quédate parado inmóvil y ve si puedes levantar el otro brazo que balanceabas desde ese mismo punto de la espalda. De inmediato sentirás que te mueves con seguridad y comprensión.
Una vez que comiences a tener sentido para moverte desde tu centro, será cada vez más fácil controlar el movimiento.
Imagínate sobre una calesita en movimiento: si corres alrededor del borde tendrás que hacerlo muy rápido para mantenerte arriba, pero si estuvieras en el centro, caminarías alrededor del polo central, despacio y con control.
GRAVEDAD
La gravedad es lo que te atrae al centro de la tierra. La fuerza de gravedad es tan grande que es muy difícil saltar más alto que un pie en el aire. En realidad, es un misterio que podemos conseguir sobre nuestras piernas.
El cuerpo humano es un milagro de la ingeniería. Intentamos olvidar el tiempo que llevó a nuestros músculos y tendones aprender a estirar los huesos hacia la misma dirección y a balancear la cabeza sobre la delicada estructura.
Primero tuvimos que aprender a incorporarnos, a arrastrarnos, a darnos vuelta, a no estar nerviosos y finalmente a movernos, caminar y entonces correr.
Pero como en los adultos, la práctica adquirida durante la infancia tomó posesión de los centros autónomos de movimiento, y ahora nos movemos sin pensar para nada en ello.
Si deseas ser bailarín/a, es vital que tomes conciencia de la fuerza de gravedad para poder combatirla. Siempre deberás estar atento a la gravedad y comprender cómo usar y contrarrestar su energía. Su atracción magnética es una habilidad básica para la danza. Trata de darte cuenta de ello en tu propio cuerpo a medida que lees esto,
-¿Cuáles son los puntos en tu cuerpo que más pesan?
-¿Cuando realizas un esfuerzo sobre esos puntos, puedes sentir que te mantienes mejor?
Observa a la gente que te rodea y las series de contrapeso que son necesarias para poder permanecer en cualquier posición.
La gravedad implica un esfuerzo en la gente mayor, en quienes los músculos no son lo suficientemente fuertes para resistir la atracción de la gravedad. Luego trata de imitar sus posturas para obtener un profundo sentido de lo que es la fuerza de gravedad.
Cuanto más te familiarices con la inexplicable energía de la gravedad, más fácil te será liberarte de ella. Realiza este ejercicio de tres etapas para desarrollar el sentido del uso y oposición de la gravedad. Sube una escalera lentamente, paso a paso, sintiéndote increíblemente pesado y que cada una de tus piernas lleva todo el peso. Inclina tu cuerpo y haz presión de una vez sobre las piernas, permitiéndole al cuerpo relajarse en esa posición. Esto te hará sentir la gravedad. Ahora sube con la espalda derecha y contrae sus músculos y los de las piernas levantando el torso mientras empujas las piernas de a una hacia abajo. Ahora estás usando tus músculos para vencer la gravedad.
Finalmente, usando los músculos como anteriormente, sube nuevamente, pero esta vez como si alguien te empujara debajo de las nalgas, y la base de tu espina dorsal dirige su energía a tu esternón hasta lo más alto de la escalera.
De esta forma estás usando tus músculos y tu deseo para vencer la fuerza de gravedad.
EQUILIBRIO
En la danza este elemento no es sólo una cuestión de hacer equilibrio sobre una pierna. Es el arte de lograr una profunda relación entre todas las partes de tu cuerpo, las cuales puedes sostener concientizándote. No es lo que hagas de vez en cuando sino es algo en lo que debes estar siempre trabajando y así, desarrollar tu sentido de equilibrio estando quieto o en movimiento. Tienes que saber dividir tu atención lo suficiente para poder concentrarte en el equilibrio interior y en el baile o movimiento que realices. Con la práctica, lo podrás hacer fácilmente con la utilización de la imaginación.
Sostiene un brazo e imagina que está flotando sobre la superficie del mar, dejándolo subir y caer fácilmente como pequeñas olas que recorren su lago. Reconocerás una sensación de equilibrio interno tomando lugar en tus músculos. Repite el ejercicio con el otro brazo. Ahora olvídate del agua y las olas e intenta darte cuenta de la relación entre músculos, huesos, ligamentos, venas y nervios. Si realmente sientes la sensación, podrías experimentarla con todo tu cuerpo.
A medida que leas, pon tu cuerpo en una posición complicada. Cruza las piernas y déjate caer hacia un lado y realiza contrapeso con la cabeza. Ahora trata de sentir la relación interna entre las partes de tu cuerpo.
-¿Dónde hay presión y dónde peso?
-¿Está tu columna curva, inclinada o derecha?
-¿Dónde equilibras el peso de la cabeza?
-¿Qué distancia hay desde tu pie derecho a tu codo izquierdo?
-¿Puedes memorizar esta postura y realizarla nuevamente?
-Esta postura; ¿está en equilibrio?. Si no cámbiala de a poco hasta percibir una armonía interna.
-¿Puedes sentir todo tu cuerpo íntegro?
Una posición con equilibrio puede no necesariamente parecer linda o simétrica, pero te darás cuenta.
El otro aspecto del equilibrio es el arte de lograrlo sobre ambas piernas o sobre una como frecuentemente ocurre en baile. Si puedes encontrar equilibrio interior, casi lo lograste. Para hacer equilibrio sobre una pierna todo lo que tienes que hacer es agregar energías musculares necesarias para mantener la posición.
En la danza muy raras veces tomarás posiciones que están simétricamente equilibradas, como un sube y baja, sino que casi siempre serán asimétricas y necesitarás fuerza interna.
Pero si internamente sabes cuales son las condiciones para lograr la sensación de equilibrio podrás obtener un resultado óptimo. Recuerda que con equilibrio podrás obtener un resultado óptimo. Recuerda que el equilibrio es un estado activo; un proceso que sucede constantemente y que si te olvidas de hacerlo te caes.
POSTURA
Durante sus vidas en ejercicio los bailarines trabajan la postura, que es la clave del equilibrio, y en consecuencia del movimiento. Tu postura no sólo revela tus sentimientos sino que puede producírtelos.
Por ejemplo: si te paras con las rodillas apenas dobladas, la pelvis hundida, el vientre hacia fuera, la parte superior de la espalda encorvada, el cuello bajo y la cabeza hacia delante, te sentirás mal y te impedirá mover bien. Inténtalo y luego camina. Correr o bailar no es el problema, de todas formas te sentirás incómodo y con el peso en la parte inferior del cuerpo.
-¿Qué se puede hacer para corregir estas malas posturas?
Comencemos por aprender cómo pararnos adecuadamente; empecemos con los pies.
Levanta los arcos y deja el peso caer sobre tres puntos: la parte redondeada de tu pie, el talón y el empeine. Asegúrate que los huesos de los tobillos estén derechos y los costados del talón en ángulos rectos respecto del piso. Estira las piernas lo más posible para que los muslos se muevan hacia delante y la pelvis quede sobre los huesos de los muslos. Trata de aumentar el espacio entre la última costilla y la parte superior del hueso pélvico. El estómago se allanará y la columna se sentirá larga y estirada con el cuello totalmente extendido. Relaja los hombros y déjalos caer desde la columna. Mueve tu cabeza hasta que quede lo más alta posible. En esta actitud física comenzarás a sentirte más vigoroso y con más conocimiento.
La forma en que te sientes también es importante por lo que influirá al realizar los ejercicios sobre el suelo. Intenta hacer esta experiencia sobre una silla dura. Primero siéntate frente a la silla y luego date vuelta hacia atrás hasta que el torso caiga sobre el respaldo de la silla. Esta es la peor manera en la que te puedes sentar. Por lo tanto debes hacer todo lo contrario. Siéntate derecho sobre los huesos que forman la parte inferior de la pelvis imaginando que es un recipiente grande en el que afuera el resto del torso crece. Alarga la columna y achata el abdomen, extendiendo el lado interior de la columna, mantiene el cuello hacia arriba y deja que la cabeza se mueva sin un propósito definido.
Ahora, manteniendo la columna extendida deja caer los hombros hacia la cadera y, al mismo tiempo, levanta los hombros por encima de la cabeza. Con los brazos levantados sube los hombros por un momento y luego déjalos caer algunas veces para ver la soltura que tiene.
Aunque sea difícil mantener los hombros caídos mientras levantas los brazos, realizar este ejercicio te demostrará lo incómodo que es ascenderlos; y mientras te resulte difícil moverte en esta posición, la vieja postura parecerá aún más una prohibición.
GESTO
Como una especie, la raza humana descubrió en un lejano pasado, que las oportunidades de sobrevivir eran superiores en sociedad que solo. No desarrolló garras especializadas, dientes afilados o una coraza que lo cubriera para protegerse, sino que para defenderse tuvo que confiar en la mente y habilidad de comunicar ideas complejas a los otros miembros del grupo. Desde ese entonces, hemos adoptado formas de movernos que demuestran a los demás lo que estamos pensando.
Con gestos sutiles y una actividad física demostramos el trabajo con otros, somos diferentes con amigos o desplegamos agresión a nuestros enemigos. También podemos hablarnos unos a otros, pero aunque una multitud de idiomas sean hablados, la evidencia del pasado es que era apenas diferente.
Entonces para comunicarnos era necesario que hubiese un gesto común de lenguaje.
Compañías de danza de todo el mundo, actúan por todo el mundo, y con algunas excepciones, se los comprende en todas partes que van. Las excepciones existen donde la danza se ha llegado a formalizar y a ligar a una religión como en algún baile japonés, o en alguna mímica como así también en ciertas escuelas indias de danza donde la representación de una acción a través de gestos es un lenguaje aprendido. Con esto comprendemos más como los movimientos en la danza están estrechamente vinculados a gestos habituales.
Los brazos cruzados sobre el pecho significan una pared de protección, las manos sobre las caderas “muéstrame”, mientras que los puños sobre las caderas son aún más desafiantes y demandan “pruébamelo”. Las manos en la frente sugieren que estás dispuesto a dar o recibir, estrechar la mano derecha probablemente origine un modo de probar que no llevabas un arma cuando conociste a alguien, sostener la cabeza hacia delante te muestra impaciente, girarla hacia un costado se ve interesante, el afecto y la simpatía se expresan con una mano sostenida sobre la cara, el pensamiento doblando la mano hacia el puño, levantar los hombros es un gesto de falta de conocimiento y apatía y llevarlos hacia delante expresan dolor.
Si te paras sobre una pierna con todo el peso sobre la cadera te ves como si estuvieras esperando, golpeando un pie en esa posición significa impaciencia o aburrimiento. Obsérvate a ti mismo y a aquellos que te rodean para aprender a reconocer lo que el cuerpo dice.
Para casi cada movimiento, demostramos un pensamiento, un sentimiento o una actividad. Estas son las herramientas de la danza y pueden ser utilizadas para crear secuencias de movimiento que son las historias de la experiencia humana.
RITMO
Un buen entendimiento de ritmo es esencial para un bailarín, pero puede ser un poco complicado de adquirir. Pensamos que la gente nació con un sentido de ritmo, pero es permanentemente aprendido.
Gente que vive en grupos liderados por un jefe (tribus), son reconocidos por poseer una vinculación natural para el ritmo. Pero si observas las reuniones de estas tribus, todos los niños allí presentes estarán aprendiendo a tocar el tambor o a bailar.
El ritmo se aprende desde muy chico. La exposición a la música durante la niñez y una favorable respuesta al ritmo y al baile mientras se es joven, puede ser seguramente de gran ayuda en el futuro. Si nunca se tuvo una experiencia así nada está perdido. Adquirir ritmo es más una cuestión de prestar atención que cualquier otra cosa. Escucha una pieza de música popular, alguna con ritmo latino es la más fácil de usar. Trata de llevar el compás, que generalmente lo determina la batería. Una vez que lo conseguiste, trata de discernir los compases más pesados; aquellos que se detectan más que otros. Cuenta cuantos compases suaves hay entre los pesados o más fuertes y luego intenta llevar el ritmo con las palmas.
Ahora ve si puedes contar el ritmo completo, por ejemplo:
1, 2, 3, 4 -1, 2, 3, 4
Cuando escuches el compás claramente, trata de moverte con la unidad musical de ritmo (compás), simplemente trasladando el peso de una cadera a la otra, manteniendo tus pies inmóviles.
Una vez que logras moverte llevando los tres primeros compases, quédate inmóvil en el cuarto (adapta el movimiento de acuerdo a la cantidad de compases que la música tenga).
Ahora solo en el primero y segundo y permanece quieto en el tercero y cuarto; luego en el primero y cuarto y finalmente en cualquiera sin perder el ritmo.
Cuando elaboras el concepto de ritmo, es importante que te asegures que lo que identificas como compás sea lo correcto. Todo el trabajo que lleva hacerlo finalizó al momento de escucharlo. La batería ha sido golpeada, y el sonido habrá viajado en el espacio y vibrado en tu tímpano, registrándolo en tu cerebro como un compás. En consecuencia, para permanecer en ritmo todo el trabajo interno debe ser hecho y el movimiento realizado en el momento adecuado.
En realidad, para hacerlo bien, tienes que anticipar el compás poco a poco, como si lo hicieras con tu cuerpo; escuchándolo. Trata de unirte a él más que bailar con él.
Una vez que aprendas la secuencia de la danza, te encontrarás que el ritmo y el compás del baile forman los “LAZOS” que te permiten memorizar la estructura de la danza.
MOVIMIENTO EN EL ESPACIO
Nuestros cuerpos fueron hechos para moverse. A través de miles de años, se han desenvuelto para realizar todos los movimientos necesarios para sobrevivir en la superficie de esta tierra, para correr sobre suelo irregular, para caminar largas distancias, para trepar los árboles, para obtener lo que se propone: cavar, cosechar frutos, etc.
Nuestros pies, piernas y columna, son increíblemente complejos y pueden regular hasta las más pequeñas variaciones de equilibrio mientras nos movemos. Lo mismo ocurre con la parte superior de nuestra espalda y brazos. Como así también, el ser fuertes nos permite desempeñar tareas delicadas.
Nuestros cuerpos se mueven en el espacio que los rodea; cerca y lejos. El espacio no es sólo aire vacío sino un elemento tangible a través del cual nos movemos; como lo es el agua para los peces determinando un modelo de movimiento. Tus brazos, piernas, cuello y cabeza, son extremidades fuera del cuerpo en el espacio, y hacen posible que ejecutes un acto. Mira un objeto que esté cerca y que puedes agarrar con solo extender tu brazo. Considera el espacio entre tú y el objeto como un área que debes atravesar. Imagina tu mano y brazo en ese espacio. Ahora lentamente, deja que tu mano se mueva sobre la distancia que hay desde ti mismo al objeto.
Conscientemente, va a través del espacio.
Ahora elige algo más lejos que implique que tengas que caminar para tocarlo. Ve lo enorme que es la distancia y siente lo que necesitarás hacer en tu cuerpo para moverte hasta allí: primero trasladar todo tu cuerpo sobre las piernas, luego moverlos debajo de ti manteniendo el equilibrio evitando otros objetos, parar a tiempo y, finalmente, extenderse en el espacio para tocar el objeto. Ahora lentamente, hazlo. Siente el logro como un viaje a través del espacio exterior.
El cuerpo se desarrolló por muchas razones funcionales necesarias para su supervivencia, pero podemos usar su hermosa forma por otros motivos: para expresar nuestros pensamientos y emociones, para obligarnos a demostrarle a la gente como nos sentimos y para satisfacer nuestro deseo de movernos.
En realidad, sentimos mejor nuestros músculos cuando los usamos, y una vez que nos acostumbramos a moverlos, todo el cuerpo trabajará en armonía consigo mismo: para correr, para cambiar de posición o dirección, para brincar, para bailar.
RESPIRACIÓN
Todo ser viviente respira. Pero en la danza no es sólo el acto físico de respirar lo que más importa, sino que también es usado como un elemento expresivo; como parte del lenguaje de movimiento que transmite significado. La respiración poco profunda, por ejemplo, significa excitación o stress, mientras que la que es lenta y calma sugiere cierto grado de auto control. Más abstractamente, la palabra “respirar” es usada en la danza para denotar una calidad específica de movimiento.
Un bailarín que tiene el concepto de respirar, se mueve con libertad y armonía. Una frase de movimiento con respiración tiene un controlado y una considerada extensión en tiempo, un comienzo y un final claros, no importa lo rápido o lento que sea, una frase “sin respiración” es limitada en movimiento o mecánica sin espacio para respirar. Respirar en armonía con tus pasos dará a tu movimiento una sensación de tranquilidad y expresividad. Pero al principio te parecerá difícil respirar bien mientras bailas. Hay dos problemas principales.
1) Cómo ejercer control sobre tu respiración sin interferir en ella.
2) Cómo usar la caja toráxica adecuadamente mientras mantienes una postura arrogante en el torso.
Los siguientes ejercicios te ayudarán a darte cuenta de los problemas. Camina a un tiempo moderadamente rápido y cuenta cuantos pasos das con cada respiro.
-¿Es la misma cantidad cuando inhalas que cuando exhalas?
Ahora cambia el cronometraje de la respiración. Si estabas inhalando cada tres o cuatro pasos y exhalando cada tres o cuatro, aumenta la cantidad a cinco o seis. También puedes variar la proporción en números entre inhalación y exhalación. Inhala en dos pasos y exhala en cuatro.
-¿Qué sientes al tener que separar tu concentración entre caminar y respirar?
Es importante aprender a concentrarse en dos, tres o más cosas al mismo tiempo, como frecuentemente tendrás que dividir tu atención mientras bailas. También debes aprender a respirar más profundamente expandiendo las costillas detrás del cuerpo más que por adelante.
Dobla tus brazos hacia atrás, manos sosteniendo codos opuestos y toma un profundo suspiro, tratando de extender la espalda oblicuamente, ejerciendo presión en los brazos hacia otra dirección. Apóyate desde las caderas con la espalda derecha elevando tu peso sobre las manos en el asiento de una silla, e inhala extendiendo la espalda. Si estás haciendo el movimiento correctamente lo sentirás en las costillas inferiores como así también sobre los hombros.
La parte superior del pecho debería moverse también. Cruza los brazos sobre el pecho dejando reposar las palmas de las manos hacia arriba sobre cada lado. Ahora, mientras respiras profundamente, trata de sentir las costillas inferiores justo afuera de la parte trasera de la columna, luego toda la columna expandiéndose y finalmente la parte superior del pecho se levanta debajo de tus manos.
No deberías sentir las costillas inferiores expandirse hacia delante, empujando los codos en la misma dirección.
LA TÉCNICA EN EL JAZZ
No existe una técnica de Jazz propiamente dicha, sino que puede considerarse como una amalgama de técnicas de baile enlazadas mediante las características propias del Jazz (aislamientos, descenso del centro de gravedad del cuerpo, polirritmia, etc.). Como en todas estas técnicas lo que se pretende con los distintos ejercicios es calentar los músculos del cuerpo, hacerlos más flexibles y ampliar al máximo el campo de posibilidades de movimiento de cada parte del cuerpo en el espacio. Una vez adquirida una buena técnica en la realización de cada uno de los ejercicios es labor del coreógrafo reunirlos y ordenarlos adecuadamente a fin de conseguir una bella danza.
Los estudiantes y bailarines de Jazz deben desarrollar mucho más que en cualquier otro tipo de baile el sentido del ritmo y de los tiempos musicales. También deben aprender a distinguir el tiempo del contratiempo tan fácilmente como distinguen su derecha de su izquierda. Esto no es difícil con cierta clase de música, pero hay otras piezas de compleja estructura rítmica que pueden complicar el baile si no se distingue correctamente el tiempo del contratiempo.
La expresividad y la improvisación son también esenciales para bailar Jazz; los estudiantes deben tratar de desarrollarlas tanto como les sea posible. Una manera muy interesante de conseguirlo es sentirse emocionalmente involucrado en lo que se hace; es decir cada uno debe entregar sus emociones y sus experiencias al movimiento. Para los bailarines de raza negra, que ha estado en contacto con las fuentes del Jazz, esto no es difícil, pero para muchos bailarines de raza blanca ello se consigue con mayor disciplina de trabajo.
Para el bailarín o estudiante de Jazz, la técnica no es más que un medio para lograr su propia expresión. Por eso, todos sus movimientos deben tener un punto de improvisación personal. Una parte de esta técnica, que podemos considerar como propia del Jazz son las Isolations (aislamientos). Consisten en el movimiento de una parte del cuerpo mientras que el resto permanece quieto o se mueve de manera diferente, lo que permite desarrollar enormemente la coordinación corporal.
Otra de las características del Jazz es que cuando el bailarín se desplaza de la sensación de que lo hace pegado al suelo y sólo lo abandona cuando salta, en algunos giros, etc., para volver rápidamente a él, es decir, que en sus evoluciones siempre conserva un nivel más bajo que el normal, lo que se consigue con un buen plié.
POSICIONES DEL CUERPO
Ciertas posiciones son usadas continuamente en la clase de danza Jazz. Estas posiciones se usan durante el precalentamiento tanto como en combinaciones para crear variedad en movimientos locomotrices. Es muy importante aprender primero estas posiciones para ejecutarlas con precisión y de esa manera tomarlas como hábito.
BODY-ROLLS: Antes de un ensayo o al comenzar las clases los bailarines realizan un precalentamiento repitiendo simples secuencias. BODY-ROLLS es uno de los movimientos más característicos en un precalentamiento. Ayudará al ejercicio la concentración del foco dentro de uno mismo, aumentando el conocimiento de su cuerpo especialmente si trata de realizarlo con los ojos cerrados.
1) 2da.posición (pies paralelos) los brazos al costado del cuerpo.
2) En demi-plié, arquear la columna llevando cadera, hombros y cabeza hacia atrás.
3) Dejar caer el cuerpo en forma de colapso, dejando caer por último la cabeza hacia delante.
4) Comenzar a subir la espalda desde la base de la columna hasta recuperar la posición inicial.
FLAT-BACK: Es una posición en la que el bailarín mantiene la espalda estirada hacia delante formando 90 grados con la cadera. La espalda debe permanecer estirada y paralela al piso. Este movimiento se lo conoce además con el nombre de “Table Top”.
DIAGONAL FLAT-BACK: En esta posición el bailarín debe mantener la espalda estirada desde la cadera en forma paralela al piso, y de esa manera trasladar el torso en dirección diagonal manteniendo las dos piernas estiradas en posición hacia el frente.
CONTRACTION: Este término indica dibujar un acortamiento en alguna parte del cuerpo. Aunque el término se refiere a cualquier parte del cuerpo, en Jazz, “contracción” a menudo se refiere al torso. En la contracción de torso vista de perfil el cuerpo se mantiene cóncavo en la línea de la letra “C”, marcando el punto central de la contracción en la pelvis para poder mantener así la línea del torso quedando los hombros sobre la pelvis. El tórax y los hombros no deben hundirse.
HINGE: Se denomina a la inclinación que realiza el torso en una línea oblicua que pasa desde los hombros, caderas y rodillas. Usualmente el bailarín realiza este movimiento estando parado en relevé con las rodillas flexionadas. Es importante mantener el cuerpo en una línea diagonal firme y no ejercer la presión sobre la cintura.
SIDE STRETCH: Este estiramiento usualmente se realiza en 2da.posición de pies (abierta o paralelo). Con los brazos extendidos en forma vertical, se debe alargar el torso desde la cintura hasta el tórax hacia uno de los laterales lo más lejos posible. Mientras se realiza este movimiento debe mantenerse la espalda estirada.
INTRODUCCIÓN A LA COREOGRAFÍA
MÉTODOS BÁSICOS DE CONSTRUCCIÓN
Existen reglas y guías de construcción que necesitan ser parte del compositor coreográfico, es por ello que la composición de un baile exitoso presupone que el autor tiene conocimientos de:
1) Material y elementos de la danza.
2) Métodos de construcción que dan forma a la danza.
3) Entendimiento del estilo con que el compositor está trabajando.
Se espera que un alumno principiante en el arte de la coreografía no producirá una obra de arte con el mismo grado de sofisticación que un estudiante que ha recibido 2 o 3 años de entrenamiento. Por eso el conocimiento de la técnica de la danza en cualquiera de sus formas enriquecerá este proceso.
PROCESOS BÁSICOS QUE DEBE TENER UNA COREOGRAFÍA
1) Desarrollo de la idea. Abstracta o argumental.
2) Estilo de movimientos que se aplicarán.
Estarán basados respecto a: Tipo de música seleccionada que puede especificar un estilo social o estilo de danza determinado.
3) Decisión por el modo de presentación.
Arquitectura: Diseño espacial. Diseño Grupal (Coreografiar para solos, dúos, tríos o grupos). Espacio escénico.
4) Creatividad: Inspiración, imaginación, improvisación.
5) Análisis y evaluación.
6) Proceso y refinamiento final.
TERMINOLOGÍA STANDARD DE LA TÉCNICA DEL JAZZ
· Arabesque
· Assemblé
· Attitude
· Ball Change
· Battement
· Body Roll
· Chaîné
· Chassé
· Contract
· Coupé
· Dégagé
· Développé
· En Dedans
· En Dehors
· Fan
· Flat back
· Flex
· Frog position
· Hip lift
· Hinge
· Hop
· Isolations
· Jeté
· Jump
· Kick
· Lunge
· Pas de Bourrée
· Passe
· Pirouette
· Piqué
· Pivot
· Plié
· Release
· Relever
· Rond de jambe
· Sissonne
· Stretch
· Sous sus
· Soutenu
· Tabletop
· Tendu
· Turn
· Twist
( Pertenecen a la terminología de la Danza Clásica y se utilizan también en la Danza Jazz).
LA DANZA JAZZ EN LA COREOGRAFÍA
La Danza Jazz o sencillamente “Jazz” en Norteamérica (Cuna de ésta formación), es un género que revela raíces de color y se fusiona con la técnica europea. Una danza huérfana, puesto que, para su aceptación y reconocimiento, tuvo que ser adoptada por los tecnicismos de la Danza Clásica, debido a ser considerada escasa y vulgar por los críticos de arte.
Como John Martin redactó en su critica para el New York Times: -“La Danza Jazz es una vulgar expresión y grosera desacreditación de la Danza Clásica, estimula en complot técnico, basándose en una rebelión racial”.
Aquellos que tomamos en cuenta la historia de la Danza Jazz, apelamos a continuar difundiendo su raza y cultura. Una danza liberadora de patrones, danza otorgada al nacimiento de infinidad de géneros.
La palabra “Danza” no forma parte de una técnica, surge a través del deseo de expresar y de dar a conocer una cultura: los ideales, nuestros adentros.
El humano ha experimentado los sonidos de la naturaleza, el incesante golpeteo del sonido de un corazón, permitiéndose desplazar y acompañar los ritmos a través del movimiento, movimiento que manifiesta la liberación del hombre.
La Danza Jazz se ha desarrollado con gran eficacia debido a sus constantes cambios e investigaciones que han ofrecido los grandes maestros como Cole, Luigui, Mattox, Fosse, Robbins e infinidad de creaciones Norteamericanas y Europeas.
Cuando hablamos de expresión, sensación y movimiento, comprendemos que cada cuerpo mantiene un tiempo, ritmo y espacio interno, es por ello que el Jazz es un compromiso de observación, modificación, experimentación e impulso individual para la creación de un nuevo movimiento que será integrado en una coreografía.
Esta coreografía puede ser proyectada, desde lo clásico a lo moderno, de lo conceptual a la vanguardia.
TÉCNICA EN EL JAZZ
POSICIONES BÁSICAS
Existen las posiciones básicas abiertas (puntas de los pies hacia fuera) y las paralelas (pies paralelos con las puntas hacia delante.
POSICIONES DEL CUERPO
Ciertas posiciones básicas son usadas continuamente en la clase de danza jazz. Estas posiciones se usan durante el precalentamiento tanto como en combinaciones para crear variedad en movimientos locomotrices. Es muy importante aprender primero estas posiciones para ejecutarlas con precisión y de esa manera tomarlas como hábito.
BODY-ROLLS: Antes de un ensayo o al comenzar las clases los bailarines realizan un precalentamiento repitiendo simples secuencias. Body-Rolls es uno de los movimientos más característicos en un precalentamiento. Ayudará al ejercicio la concentración del foco dentro de uno mismo, aumentando el conocimiento de su cuerpo especialmente si trata de realizarlo con los ojos cerrados.
1) 2da. Posición (pies paralelos) los brazos al costado del cuerpo.
2) En demie-plie, arquear la columna llevando la cadera, los hombros y la cabeza hacia atrás.
3) Dejar caer el cuerpo en forma de colapso, dejando caer por ultimo la cabeza hacia delante.
4) Comenzar a subir la espalda desde la base de la columna hasta recuperar la posición inicial.
FLAT-BACK: Es una posición en la que el bailarín mantiene la espalda estirada hacia delante formando 90º con la cadera. La espalda debe permanecer estirada y paralela al piso. Este movimiento se lo conoce además con el nombre de TABLE-TOP.
DIAGONAL FLAT-BACK: En la posición diagonal FLAT-BACK, el bailarín debe mantener la espalda estirada desde la cadera en forma paralela al piso, y de esa manera trasladar el torso en dirección diagonal manteniendo las dos piernas estiradas en posición hacia el frente.
JAZZ 4th. (Cuarta de jazz): Este movimiento es típico de la danza jazz. Se realiza manteniendo las piernas firmes sobre el piso y rotando la cadera hacia uno de los lados empujando uno de los pies (el opuesto al lado del giro) en releve, quedando en cuarta posición de perfil y flexionando ambas piernas demie-plie. Con este ejercicio el bailarín aprende a tener la sensación de sentir el peso de su cuerpo sobre los muslos y pelvis. La posición JAZZ 4th. Se verá a menudo en secuencias de danza con pelvis en contracción (variante). Debe practicarse este ejercicio cuidadosamente antes de ser usado para que se imprima en la memoria muscular del cuerpo.
CONTRACTION: El término CONTRACCIÓN, indica dibujar un acortamiento en alguna parte del cuerpo. Aunque el término se refiere a cualquier parte del cuerpo, en jazz, contracción a menudo se refiere al torso. En la contracción de torso vista de perfil el cuerpo se mantiene cóncavo en la línea de la letra C, marcando el punto central de la contracción en la pelvis para poder mantener así la línea del torso quedando los hombros sobre la pelvis. El tórax y los hombros no deben unirse.
HINGE: Se denomina HINGE a la inclinación que realiza el torso en una línea oblicua que pasa desde los hombros, caderas y rodillas. Usualmente el bailarín realiza este movimiento estando parado en relevé con las rodillas flexionadas. Es importante mantener el cuerpo en línea diagonal firme y no ejercer la presión sobre la cintura.
SIDE STRETCH: Este estiramiento usualmente se realiza en segunda posición de pies (abierta o paralela). Con los brazos extendidos en forma vertical, se debe alargar el torso desde la cintura hasta el tórax hacia uno de los laterales lo más lejos posible. Mientras se realiza este movimiento debe mantenerse la espalda estirada.
